In A Black Orange

Appaloosa, R M X Vol.1 (2012, Black Candy) + intervista a Simone Di Maggio

2012-01-31T00:20:00.001+01:00

Articolo realizzato per Stordisco

In attesa che esca il loro vero e proprio quarto album, i toscani Appaloosa ci presentano una raccolta di remix del precedente "Savana" (2009). Certo, molto spesso questo tipo di operazioni hanno il preciso scopo di funzionare come gancio promozionale, ma in questo caso gli intenti sembrano decisamente differenti. Le rielaborazioni sono davvero di ottimo livello e ai DJs e producers coinvolti sembra proprio che sia stata data carta bianca mentre lo spettro dell'elettronica coperto da generi e stili risulta abbastanza ampio, senza però che ne risenta una certa fluidità all'ascolto. Apre le danze, ed è proprio il caso di dirlo, il duo Apes On Tapes con la trascinante potenziale hit Genny, a base di hip-hop rivisto in chiave glitch. E' ancora l' hip-hop, questa volta nella sua declinazione abstract ed elettronica, l'elemento base col quale Colossius (una delle due menti del progetto Ether) miscela sapientemente i minimali campionamenti catturati a Boston Gigi. Spetta invece a Digi D'Alessio, un nome in rapida ascesa nel panorama nostrano, la prima incursione in territori dubstep con Minimo, un brano caratterizzato da iniezioni di dosi massiccie di dub ipnotico. Scary Grant (Eclat), dal canto suo, vira verso gli orizzonti house più solari, con Mons Royal Rumble. Un deciso cambio di rotta si registra con la versione ostinata e circolare di Tg ad opera di Dj Alik, un groove megnetico e decisamente rock che molti maestri di turntablism e campionatore hanno ormai dimenticato come si fa. Sfugge ad una veloce classificazione l'articolata e scura rielaborazione di Chinatown Panda, messa a punto da Dyami Young (Loopdiggaz), che ascolto dopo ascolto fa inesorabilmente breccia nel padiglione auricolare.
Dubstep e idm sono le coordinate attarverso cui si muove uno dei brani di punta di tutta l'operazione, il notturno e suadente Civilizzare firmato dall' Appaloosa Simone Di Maggio, quì presente col moniker di DiMaggioBaseballTeam. Ancora dubstep, questa volta cucito assieme a brandelli di hip-hop ed elettronica minimale per Glù rivisto da duo che risponde al nome di Ether, mentre house e big beat scandiscono un'altra versione di Boston Gigi, questa volta ad opera di Twism. Chiude la raccolta Savana nella quale Dj Fonx & Black Friday Crew fanno confluire funk, soul ed elementi rintracciabili nel sound pre-dubstep di inizio millennio. Insomma, gli Appaloosa si sono coraggiosamente messi in gioco e lo hanno fatto al meglio coinvolgendo validi compagni di avventura.

Intervista a Simone Di Maggio

Simone Di Maggio è un veterano della scena post-punk che ha animato la Livorno della seconda metà degli anni 90. L'ex leader degli Almayer da molti anni si è tuffato nell'ibridazione tra idm e canzone d'autore attraverso il suo progetto personale DiMaggioBaseballTeam. Dal 2004 è diventato membro attivo degli Appaloosa di cui cura l'elettronica e proprio in merito alla pubblicazione di “RMX Appaloosa Vol.1” ha accettato di rispondere ad alcune domande.

Aldo: Gli Appaloosa sono da alcuni anni una realtà in continua crescita e dotata di una forte personalità. La pratica dei remix è divenuta una consuetudine per molte bands, con risultati non sempre soddisfacenti. Nel vostro caso bisogna ammettere che avete fatto un pieno di rielaborazioni davvero di ottimo livello. I nomi coinvolti nell'operazione, oltre a te, sono quelli di DJ e producers a voi vicini geograficamente e con molti di loro vi conoscete da anni. Qual è stata la scintilla che vi ha fatto puntare alla realizzazione di un album di remix e come mai avete deciso di iniziare questo percorso proprio da "Savana"?
Simone Di Maggio: Lavorare nell'ambito dei remix è un’idea che avevo sin da quando sono entrato a far parte degli Appaloosa (2004), però ho aspettato le condizioni ottimali per lanciarmi. Volevo che venisse fuori un disco accattivante e curato come una pubblicazione, non come un episodio sterile o solo propagandistico: volevo coinvolgere io i produttori in modo da poterli supportare in maniera spontanea, che la curiosità e l'interesse verso l'ambito elettronico fosse trasparente e riconoscibile. In “R M X Appaloosa vol.1” c'è tutto questo e Black Candy lo ha compreso e supportato, trovando il coraggio di intraprendere un'esperienza discografica per loro nuova. Detto questo, abbiamo iniziato da "Savana" perché era la nostra ultima uscita, quindi quella più disponibile nell'immediato. Alla fine credo che stravolgere i campioni di quel disco donandoli ai remixer sia stato importantissimo per i passi successivi di tutto il gruppo, sebbene non fossimo coscienti di ciò quando è partito il progetto.

A: Questo "Vol.1" spazia molto abbracciando diversi generi della musica dancefloor ma non solo. Tu sei l'uomo dell'elettronica all'interno del gruppo e presumibilmente quello più attento alle nuove sonorità in questo ambito. Cosa dobbiamo aspettarci prossimamente dagli Appaloosa vista l'imminente pubblicazione del vostro quarto album ufficiale?
SDM: Prima di tutto "The Worst of Saturday night - Musica per energumeni del sabato sera", il nostro nuovo disco, dove si possono individuare le influenze degli ascolti collettivi tra una data e l'altra in furgone (dove ho anche realizzato il mio primo mixtape). Il disco dei remix era uno dei più gettonati tra gli ascolti collettivi in furgone e ci ha aiutato a rinnovare l'intenzione compositiva, rischiando ancora di più di quanto non avessimo fatto. Per me è stato essenziale capire come tirare fuori certe sonorità e l'ho fatto studiando i diversi stili che si trovano in “R M X,” con un occhio verso i software, gli strumenti e i samples. In “R M X” ci sono praticamente tutte le mie maggiori influenze. Inoltre ci piacerebbe continuare l'espansione verso l'Europa, esperienza che aiuta molto a crescere.

A: In riferimento alle domande precedenti, uno dei remix è opera tua. A quando, invece, un disco ufficiale del DiMaggioBaseballTeam?
SDM: Spero presto, perché ho dei brani da registrare da anni - e Marina Mulopulos, una delle due voci in DMBT, non vede l'ora di farlo. Tuttavia essere multi-tasking non è il mio forte e detesto avere mille cose lasciate a metà – anche se purtroppo succede spesso; così ho deciso di dedicarmi al nuovo Appaloosa che mi ha tenuto impegnato per più di un anno e ne è valsa la pena, perché il risultato è stato al di sopra delle aspettative (anche grazie al ritorno ai metodi analogici!). Nella mia versione di "Civilizzare" ho cercato di fondere il ritmo con l'attitudine DiMaggioBaseballTeam, che di per sé è legato a una dimensione canzone + IDM - almeno così mi dicono gli ascoltatori.

A: Infine, tornando agli Appaloosa, il titolo della raccolta lascia intenzionalmente supporre che questo sia soltanto il primo di una serie di album di questo tipo. Avete già pensato a quale dei vostri lavori precedenti potrebbe costituire il materiale per un "Vol.2"?
SDM: Sì, ci saranno altre occasioni, proprio perché l'interesse verso la musica elettronica è vivo e questa esperienza mi ha arricchito davvero molto. Il nuovo materiale si presterebbe bene alla manipolazione, ma non escludo niente. Ad ogni modo, colgo ancora una volta l'occasione di ringraziare tutti i remixer che si sono impegnati in questo progetto regalandoci delle vere bombe!

Calexico – Selections From Road Atlas, 1998-2011 (18/11/2011, City Slang)

2012-01-31T00:00:00.002+01:00

Articolo realizzato per Distorsioni

Appunti di un viaggio cominciato molti anni fa nella cittadina di Tucson, a pochi kilometri dal confine che separa l'Arizona dal Massico. Arriva anche per i Calexico il momento di fermarsi un po', guardarsi indietro e celebrare il proprio passato. Piuttosto che puntare su di un banale "The Best of" con qualche inedito che renda appetibile il piatto, Joey Burns e John Convertino raccolgono una manciata di brani provenienti dalla loro discografia parallela, costituita per la maggior parte da lavori prodotti (autoprodotti) esclusivamente per il pubblico presente alle loro performances live. Una discografia che molto spesso custodisce delle vere e proprie gemme, difficili da documentare tutte in questo che potremmo definire un compendio della ben più cospiqua ristampa in vinile degli 8 albums (di cui sopra) che costituiscono il mastodontico cofanetto "Road Atlas"; un atlante stradale completo, stampato in edizione limitata e non proprio per tutte le tasche. La maggior parte dei comuni mortali può quindi accontentarsi di "Selections from Road Atlas" che presenta comunque numerosi pregi, tra cui quello di lasciarsi ascoltare quasi come fosse un disco nuovo a tutti gli effetti. Ciò, con ogni probabilità, si deve alla solidità stilistica che la band mantiene costante lungo tutto un tragitto caratterizzato da influenze in grado di spaziare, come sempre, dal country al jazz, dal post-rock alla musica mariachi, dalle colonne sonore di Ennio Morricone fino a giungere al dub.
E poi di pepite ce ne sono abbastanza da non lasciare affatto delusi gli afecionados. Waitomo, ad esempio, restituisce un po' di quella leggerezza che si avverte quando si intraprende un nuovo viaggio lasciandosi finalmente dietro i bagagli (e i pensieri) più ingombranti. Oppure Glowing Heart of The World, con una prima parte intima e quieta come se ci stesse preparando, in quei minuti che precedono l'alba, ad un epica fuga a cavallo da degni fuorilegge dei film di Sergio Leone; una scena descritta bene, per l'appunto, nella seconda parte della canzone. Bella e dolorosa la ballata All The Pretty Horses che rimarca quanto Joey Burns possegga una buona dote cantautoriale. E' però la strumentale El Morro che possiede la capacità di raggiungere una delle vette assolute di tutta la raccolta; sembra quasi che si possa rimanere sospesi per tutto il brano sopra un canyon, in compagnia null'altro che della propria anima. Di tutt'altra natura, è invece l'accattivante ed indolente blues-funk di Detroit Steam, mentre ci avviciniamo alla fine con gli ultimi tre brani che da soli valgono probabilmente l'acquisto di questa antologia : Cachaca raccoglie i migliori Tortoise per farne tesoro durante notturne escursioni ritmiche in una samba offuscata dai fumi dell'alcool e dalla trama quasi psichedelica descritta da tromba e chitarra. Segue Crystal Frontier nella sua versione originale, priva dell'apporto dei fiati mariachi, che non lascia però rimpiangere quella contenuta in "Hot Rail". Chiude Man Made Lake in una sua esecuzione dal vivo a Bruxelles che ne accentua i toni drammatici, rendendola ancora di più una perfetta rock song.
Per concludere, mi sento di consigliare "Selections from Road Atlas" principalmente ai cultori, anche se apprezzabile da chi si dovesse avvicinare ai Calexico soltanto ora.
Buon viaggio.

Casa de Calexico, sito ufficiale

El Morro

Glowing Heart of The World

Consigli per l'ascolto - Top 20 del 2011

2012-01-20T22:26:00.000+01:00

Articolo realizzato per Senza Soste

Almeno dal punto di vista delle uscite discografiche, questo 2011 è stato abbastanza generoso.
Di seguito una breve descrizione, in ordine alfabetico, degli album che secondo il mio modesto parere meritano di essere annoverati tra le produzioni più importanti dell'anno.
Buon ascolto.

Larry Achiampong – Meh Mogya (Honest Jon's)

Il producer inglese di origine ghanese, altrimenti conosciuto come Black Ph03nix, si presenta con la sua idea di hip-hop destrutturato attraverso grooves prodotti tramite il campionamento di musica high-life (genere molto popolare nell'Africa Occidentale) con uno stile che sembra richiamare la migliore scuola Sthones Throw.
Meh Mogya su BandCamp

BAAP! - Sweet Dreams, Baby (Monk)

Ispirato tanto dalle atmosfere fumettistiche che da Mingus e Monk, il quartetto jazz capitanato dall' estroverso e acclamato trombonista Tony Cattano mette sul piatto 11 composizioni che spaziano con padronanza tecnica e gusto dall'improvvisazione alla tessitura di temi cinematici. Fergusoniano.

Preview dell'intero album

The Black Keys – El Camino (Nonesuch)

Co-prodotto da Danger Mouse, l'album sembra destinato a riscontrare un buon successo commerciale. Ciò non toglie che rimanere indifferenti a molti di questi grooves rock'n'roll senza provare l'impulso di mettersi a ballare è impossibile a meno che non sopravvengano cause di forza maggiore.

Lonely Boy

Dead and Gone

Blue Daisy – Sunday Gift (Black Acre)

Dopo numerosi ep, ecco giungere finalmente Kwen Darko all'album di esordio vero e proprio. Un lavoro inteso come un concept, una sorta di viaggio lisergico tra hip-hop, techno, psichedelia, downtempo, noise e garage-rock. Davvero intrigante.

Psyche Inquiry

Shadow Assassins

The Brand Brauer Frick Ensemble – Mr. Machine (! K7)

I tre tedeschi in questione proseguono lungo il sentiero di un'elaborazione acustica della musica techno con risultati che non possono lasciare indifferenti. In bilico tra club-music ed influenze esplicitamente derivate dal minimalismo di maestri come Steve Reich, questo secondo lavoro conferma come il trio si ponga tra le realtà più interessanti del momento.

Live in studio

Enablers – Blown Realms and Stalled Explosions (Exile on Mainstream)

Chi l'ha detto che il cosiddetto post-rock è morto? Questo manipolo di veterani da alle stampe un album furioso e drammatico da non lasciare scampo all'ascoltatore!

Patton

Career-Minded Idividual

Ghostpoet - Peanut Butter Blues & Melancholy Jam (Brownswood)

L'esordio sulla lunga distanza del rapper e producer inglese è davvero una delle cose più convincenti uscite recentemente. Hip hop, elettronica lo-fi, grime, indie-rock e downtempo si sposano alla perfezione con un flow fortemente influenzato da Roots Manuva. Da tenere strettamente sott'occhio.

Garden Path

Cash & Carry Me Home

Le Gorille – Nautilus (autoproduzione)

Davvero coinvolgente il melting-pot che ci viene offerto dai tre livornesi: punk-rock, ska-revival, richiami alle colonne sonore di Nino Rota e molto altro sono gli elementi che compongono questa ottima seconda prova.

Preview

The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble – From The Stairwell (Denovali Records)

Ancora una nuova colonna sonora per pellicole immaginarie ad opera di un combo che oramai ha certificato la propria cifra stilistaica tra atmosfere downtempo, richiami jazz e ansie di stampo gotico. Buone visioni.

Giallo

Kouyaté & Neerman - Skyscrapers & Deities (No Format)

Sorprendente questo secondo album ad opera del balafonista maliense Kouyatè e del vibrafonista francese Neerman.
Tessiture dellAfrica Occidentale incontrano il jazz-funk sporcato dai numerosi effetti applicati al vibrafono; il tutto trasportato da grooves suonati in maniera magistrale. Veramente imperdibile!

Requiem Pour Un Con

Live: Hawagis + Un soleil noir sur le déclin + Phalènes

Sabir Mateen & Silvia Bolognesi – Holidays in Siena (Rudi Records)

Un veterano del jazz d'avanguardia e un astro in rapida ascesa nel firmamento nostrano si incontrano per dare una forma conoscibile ad una musica che già c'è ma che si può altrimenti solo respirare. L'ascolto è un esperienza.

Flavio's Wine

Mr Rencore + Tim Berne - Intolerant (Auand)

Il chitarrista Gabrio Baldacci è il capitano di questo vascello pirata reduce da scorribande jazz-core ed improvvisazioni totali. Come ufficiali di bordo troviamo Daniele Paoletti alla batteria e Beppe Scardino al sax baritono mentre il nostromo d' eccezione risponde al nome del sassofonista statunitense Tim Berne. Fate attenzione, questo è uno degli album dell'anno!

Ort Milos

Radiohead – The Kinf of Limbs, Live from The Basement

Questo live impreziosisce ulteriormente l'ultimo lavoro della storica band inglese. I nuovi bellissimi arrangiamenti e
l'impeccabile l'esecuzione dal vivo rendono "Live From The Basement" un must destinato a superare i confini del 2011.
Imprescindibile!

Bloom

The Daily Mail

Bobo Rondelli – L'Ora dell'Ormai (Live Global)

Torna il cantautore livornese con questo nuovo album fortemente caratterizzato da una narrazione votata all'intimità.
Bobo ci prende per mano e ci porta dentro di sé e dopo ogni ascolto rimane la voglia di tornare.
Ancora una volta, 100% Rondelli!

Per Amarti

Sporco Denaro

Sandro Satta, Roberto Bellatalla, Fabrizio Spera – Re-Union (Rudi Records)

Davvero un live imperdibile ad opera di un trio di maestri dell'improvvisazione jazzistica. E' impossibile non lasciarsi incantare dal lirismo e dalla fisicità di quest'album. Consigliatissimo!

Live @ La Riunione di Condominio

Shabazz Palaces – Black Up (Sub Pop)

Torna l'ex-Digable Planets col suo progetto basato su campionature minimali, grooves scuri e aperture soul.
Anche se leggermente sottotono rispetto al disco precedente, Black Up si attesta tra le cose da riascoltare più volte.

An Echo From The Hosts That Profess Infinitum

Tied & Tickled Trio with Billy Hart– La Place Demon (Morr Music)

Ennesimo album per i tedeschi da sempre impegnati a trovare forme innovative per conciliare con gusto l'elettronica e il jazz. Questa volta registrano assieme al batterista Billy Hart, un veterano che può vantare di aver suonato al fianco di Herbie Hancock, Wayne Shorter e Miles Davis.

The Three Doors, Pt.3

Thurston Moore – Demolished Thoughts (Matador)

Moore è un musicista che non ha certo bisogno di presentazioni essendo uno dei componenti degli storici Sonic Youth.
Questo suo lavoro da solista è incentrato su di un approccio completamente acustico e si avvale della co-produzione di Beck. Lasciatevi incantare.

Orchard Street

Space

Tyler, The Creator – Goblin (XL)

Forse eccessivamente autoreferenziale, ma l'hip hop scuro e claustrofobico di Tyler non lascia indifferenti. Non è roba da fighetti simil-gangsta con macchine scintillanti e bellezze in bikini e non si ha scelta: prendere o lasciare!

Yonkers

Goblin

Wooden Shjips – West (Thrill Jockey)

Un viaggio attraverso la spessa coltre psichedelica di grooves che la garage-rock band ha innalzato per la loro terza fatica, prodotta per l'occasione dalla prestigiosa Thrill Jockey. 38 minuti da ascoltare tutti d'un fiato, lasciandoci andare oltre qualsiasi ovest.

Black Smoke Rise

Crossing

Flight

King Midas Sound - Without You (2011, Hyperdub)

2012-01-20T13:12:00.001+01:00

Articolo Realizzato per Distorsioni

Dall'attesa all'assenza. King Midas Sound, creatura dorata del producer inglese Kevin Martin assieme a Roger Robertson e Kiki Hitomi, torna a due anni di distanza dal gioiellino "Waiting For You" proponendone alcune rielaborazioni a cura di nomi più o meno noti della scena dubstep (alcuni dei quali accasati presso la Hyperdub) e ambienti limitrofi con questo lavoro che, per l'appunto, non può essere definito esattamente come un nuovo album. Una sorta di celebrazione sulla scia dei consensi riscossi da stampa e audience in questi due anni; sicuramente ma non solo. Infatti, se per certi versi l'hype attorno a King Midas Sound è di per sè un potenziale facilmente sfruttabile, per altri si tiene fede ad un nome così impegnativo consegnando alle stampe un risultato complessivamente di ottimo spessore. Così come per l'album precedente, anche per "Without You" le coordinate che ne definiscono il piano sonoro sembrano indicare la Bristol degli anni 90 come origine ideale di un percorso che KMS ha intrapreso assumendo nel proprio DNA il retaggio storico del trip-hop trasfigurandolo attraverso l'attitudine lo-fi del dubstep.

Tra i brani migliori, a mio avviso, l'iniziale Goodbye Girl nella versione operata da Kuedo che privilegia la voce di Hitomi, subito dopo D-Bridge trasforma i quasi due minuti strumentali di Blue nel soul notturno e fragile di Without You in cui si intravede l'ombra di Nearly God mentre è lo stesso Martin, nuovamente con l'ausilio di Hitomi (che ricorda molto Martina Topley Bird), a trasformare il minimale Cool Out nell'irresistibile Tears. Anche un altro classico come Meltdown cambia nome e, se prima l'accostamento al folletto di Bristol era accennato, adesso con Spin Me Around, forte della voce sensuale di Cooly G, non si può davvero fare a meno di nominare Tricky. Davvero interessante il trattamento, a base di synths tanto cari all' electro anni 80, che Nite Jewel ha riservato per Lost. Mala invece pompa dub in Earth A Kill Ya che diventa una vera e propria locomotiva dalla quale non si vorrebbe scendere.
Molto, molto seducente l'adattamento techno-ambient di Deep Chord per l'ennesima versione di Goodbye Girl quando arriviamo ad I Man che con la voce di Green Gartside (Scritti Politti) diventa il languido Come & Behold. Nel carnet delle presenze eccellenti non poteva mancare il padrone di casa Kode 9 con un minimale rework di Meltdown a tinte scure e drammatiche. Altro nome di richiamo quello di Flying Lotus alle prese con una non facile versione di Lost che non sembra però tradire il suo stile, mentre francamente sarebbe stato lecito aspettarsi qualcosa di più dal trattamento che Ras G riserva a Cool Out.
Per concludere, l'intera operazione gode di una buona coerenza interna, frutto sicuramente del ruolo di regista che Kevin Martin mantiene saldo nel dirigere le molte energie coinvolte in "Without You"; un buon auspicio per una nuova attesa.
Aldo De Sanctis

Without You (D-Bridge Revoice)

Earth A Kill You (Mala Rework)

Bobo Rondelli – L'Ora dell'Ormai (2011, Live Global)

2012-01-20T12:37:00.000+01:00

Articolo realizzato per Distorsioni

Torna l'inventore degli Ottavo Padiglione con questo nuovo album, a due anni di distanza dal precedente "Per Amor del Cielo", e con alcune rilevanti novità. Innanzitutto l'ingresso in formazione della contrabbassista Silvia Bolognesi. Ritroviamo comunque certezze granitiche ed inossidabili come Fabio Marchiori e Simone Padovani (già nell'ultima formazione degli Ottavo) con i quali Rondelli ha instaurato negli anni un rapporto quasi empatico, ed anche Dimitri Grechi Espinoza e Steve Lunardi (veterano della prima formazione degli Ottavo). In secondo luogo la produzione artistica questa volta è curata direttamente dallo stesso Rondelli oltrechè dall'ingegnere del suono Antonio Castiello.
Veniamo a "L'Ora dell'Ormai". Devo confessare che personalmente ho avuto bisogno di ripetuti ascolti per potermelo sentire addosso, pur riscontrando già da subito una continuità con i precedenti lavori. Forse per l'utilizzo più limitato, rispetto al passato, dell'uso della terza persona e di una certa trama narrativa, mentre risulta più privilegiata una sfera strettamente personale attorno alla quale ruotano sentimenti, riflessioni e legami affettivi. Una sfera, comunque, che nella storia del cantautore livornese, non è mai stata separata dalla sua vicenda artistica. Bobo usa parole e metafore semplici, non fa ricorso ad estremi giri di parole; si mette a nudo come ha sempre fatto spazzando via falsi pudori anche attraverso l'utilizzo della più classica forma canzone alla quale imprime un marchio di fabbrica attraverso la sua grande ed unica voce. Ecco allora che Per amarti, posta in apertura, stupisce per la sua semplicità e al tempo stesso per la sua capacità attrattiva tanto da funzionare come richiamo ad intraprendere ogni volta un nuovo ascolto. Le stesse considerazioni sembrano valere anche per la conclusiva title-track, quasi a voler chiudere un cerchio; una malinconia dolce e senza mezzi termini che in L'ora dell'ormai sembra anche rendere omaggio ad alcuni grandi del passato, tra cui Ciampi e Tenco in primis.
Non è solo l'amore, quello più intenso, ad essere cantato; quello per l'universo femminile in generale, altro tema caro a Rondelli, è ben ritratto in Si a me delle donne il cui testo è firmato da Franco Loi, poeta genovese ma milanese d'adozione, col quale dal 2009 è nato un sodalizio artistico. Mentre è di tutt'altra natura l'amore di Canto di un padre e Bambina mia, brani che Bobo ha voluto dedicare ai figli come a voler compensare la disillusione,la rabbia e il dolore di una vita.
L'unica parentesi concessa ai toni sarcastici e rabbiosi che hanno caratterizzato molta della discografia passata è con Sporco Denaro, dove Bobo è accompagnato dall'Orchestrino, una banda di ottoni e percussioni come se ne incontrano nelle feste di paese. Una banda, però, particolare; vi figurano infatti musicisti come Beppe Scardino, Tony Cattano, Pippo Ceccarini, Daniele Paoletti oltrechè Dimitri Grechi Espinoza e l'immancabile Simone Padovani.
Un'amara ironia caratterizza invece il brano scritto da Espinoza Livorno Nocturne, una sorta di affresco felliniano dipinto anche da un uso della voce che vuole forse ricordare, seppur alla lontana, il grande Mastroianni, di cui Rondelli è un cultore oltrechè un bravo imitatore.
Nel complesso, il Bobo irriverente al punto di immobilizzare ed imbarazzare intere platee ora appare più focalizzato sulla cura della propria anima. Ne è un limpido esempio Angelo Azzurro, una nenia barocca, un'ascensione al cielo che parte direttamente dai bassifondi delle osterie dove le anime si consumano buttando via le loro giornate.
In conclusione, Bobo Rondelli ha nuovamente impresso in musica il suo essere se stesso, nel bene e nel male, cercando di conservare una sorta di purezza fanciullesca che lo possa salvare dal disincanto e dal cinismo dell' uomo maturo.

L'Ora dell'Ormai

Sporco Denaro

Livorno Nocturne

Sandro Satta, Roberto Bellatalla, Fabrizio Spera – Re-Union (Rudi Records, 2011)

2012-01-02T17:25:00.005+01:00

Articolo realizzato per Distorsioni

Fortementevoluto da Massimo Iudicone, fondatore della Rudi Records, eregistrato nell'aprile di quest'anno presso il live-club dellacapitale La Riunione di Condominio, "Re-Union" fotografacon sorprendente bellezza lo stato di grazia di tre autentici maestridell'improvvisazione jazzistica e non solo. Il rapporto dialogico chesi va intrecciando per tutta la durata del disco unito ad uno stile ead una fisicità davvero di rara eleganza, ha l'immediata capacitàdi catturare a sè l'ascoltatore, un magnetismo inarrestabile lungo isei episodi in cui è diviso il live. Il lirismo ed il fraseggio diSandro Satta (sax alto), la spiritualità e l'esperienza di RobertoBellatalla (contrabbasso), il tocco e la dote interlocutoria diFabrizio Spera (batteria) sono tutti elementi che risaltano ma che,al tempo stesso, ritroviamo ben impastati nell'intensita sonora edemotiva che scorre con incredibile fluidità nel corpo e nell'animatra temi che si sviluppano in serrate conversazioni a tre, accennibop, derive free ed atmosfere rarefatte; tutto in un tempod'esecuzione che potrebbe cristallizzarsi tra il petto e l'addome...fisicità, appunto. L'orecchio sembra riconoscere in alcunimomenti come dei suggerimenti provenire da Coltrane, Hemphill,Parker, Ayler, Roach, Braxton, Art Ensemble Of Chicago e chissàquanti altri. In realtà "Re-Union" pare poter trascendereda semplici accostamenti ai nomi che compongono la costellazione deljazz pur facendo parte a pieno titolo della medesima storia. Quelloche vi ho invitato ad ascoltare è in assoluto, per il sottoscrittos'intende, uno degli album più interessanti e convolgenti del2011.

AldoDe Sanctis

live@ La Runione di Condominio

Le Gorille – Nautilus (2011, autoproduzione) + intervista

2012-01-02T17:06:00.001+01:00

Articolo realizzato per Stordisco

Il trio livornese torna alloscoperto dopo tre anni dal loro debutto, certificato alloradall'omonimo album, con questo ottimo "Nautilus" in uscitail 16 dicembre. Nel frattempo Le Gorille, che devono il nome allacelebre canzone di Georges Brassens che in Italia conosciamo graziealla versione di De André, hanno suonato molto dal vivo ancheall'estero, arrivando fino al Jazz Hot Club di Lione e alla Biennaledel Mediterraneo che si tiene a Skopje. Insomma, i ragazzi hannoirrobustito le ossa proseguendo sulla loro strada. Ne è testimone unsuono sempre più convincente e personale in grado di cristallizzareun background, non solo musicale ma molto spesso anchecinematografico; molti i generi e i riferimenti che tornano in menteanche all'interno di ogni singolo brano. Un approccio, questo di LeGorille, che all'ascolto mi ricorda molto quello che gliimprescindibili The Clash adottarono per "Sandinista", unmelting pot circoscritto da una forte connotazione stilistica. Provoa fare una carrellata degli episodi che a mio avviso sono i piùrappresentativi, tenendo presente che per ognuno mi limiterò asottolinearne i caratteri più evidenti. Dunque, sicuramente ilpost-punk di Monolite postoin apertura, il surf disturbato di Gli Aborigeni,Terra del Fuoco tra ska revival e colonne sonore difilm italiani anni 60 e 70, il beat di Nautilus, il garage diAlka Selzer, lesperimentazioni frullate di Paradisi Indiani,l'ostinazione de I Sotterraneie il languore di Notte sulla Terra.Su tutto spicca un affiatamento che sembra essere la componenteprincipale di una band in crescita che con "Nautilus" ciconsegna un album destinato a rimanere tra le cose da ricordare del 2011.

Monolite, Gli Aborigeni, Terra del Fuoco, Alka Selzer, Florinda Sunderland by Le gorille

Intervista a ClaudioLaucci e Giorgio Ramacciotti

Aldo: rispetto alvostro esordio del 2008 non ho potuto non notare un sostanzioso saltoin avanti con questo secondo album, sia dal punto di vista tecnicoche stilistico, nonchè una crescita in termini di sound. Mi parlatedel percorso che in questi tre anni vi ha portato alla pubblicazionedi "Nautilus"?

Claudio e Giorgio:apprezziamo innanzituttoche tu noti un'evoluzione . Un aspetto importante di questomiglioramento è sicuramente il fatto di aver suonato tanto dal vivoe soprattutto in diverse situazioni: dai festival rock ai ristoranti,dai locali ai live all'estero come in Francia o in Macedonia, daicentri sociali ai concerti in strada. é migliorato quindi il nostroaffiatamento e l'approccio verso i rispettivi strumenti. Sicuramentepoi, dal punto di vista compositivo, abbiamo ascoltato molta musicanuova e di conseguenza i gusti si sono evoluti e gli orizzontiampliati.

A: la struttura delle canzoni egli arrangiamenti sembrerebbero suggerire che molte delle idee checostituiscono l'album siano maturate da sessions di improvvisazione.
Come nascono i vostri brani e come scegliete i titoli?

Ce G: esatto.Quasi tutti i nostri pezzi nascono da improvvisazioni. Quando poitroviamo un riff, un tema o un tempo che ci piace allora iniziamo alavorarci e da lì evolve continuamente fino a diventare la canzonedefinitiva. Per quanto riguarda invece la scelta dei titoli è unvero e proprio calvario ... dopo tre mesi di litigi in genereriusciamo a partorirli. Comunque per quanto riguarda i nomi dati aibrani di questo disco direi che siamo molto soddisfatti del risultatoottenuto.

A: "Nautilus"sembra riassumere un backround in realtà molto vasto, correggetemise sbaglio; punk, beat, garage, ska e soul. Avete qualche nome diriferimento in particolare?

Ce G: ineffetti ci sono un sacco di generi "trattati" in questodisco. Ci piacciono i Clash, i Kinks, Nino Rota, Ennio Morricone, iDoors... Assimiliamo tutto inconsciamente ma cerchiamo sempre di dareun taglio personale e originale al nostro suono, essendo spontanei enon seguendo troppo schemi.

A: la vostra musica èinteramente strumentale, eppure alcuni brani potrebbero prestarsi adospitare anche una voce. E' un ipotesi che avete mai preso inconsiderazione?

Ce G: si.L'abbiamo presa in considerazione all'inizio però ci siamo resisubito conto che ci trovavamo più a nostro agio con brani dicarattere strumentale. In realtà pensiamo che la voce in qualchemodo ci sia visto che arrangiamo le nostre canzoni in modo che emergasempre una melodia con un carattere ben definito. Crediamo che questoaspetto non faccia desiderare, a chi ascolta, la presenza di unavoce.

A: l'Italia non è un paesedove far circolare la propria musica sia molto facile. In questocontesto, che difficoltà incontra una band strumentale come lavostra?

Ce G: ledifficoltà che incontriamo sono bene o male quelle che incontrano lamaggiorparte dei gruppi underground/indipendenti... Il fatto disuonare musica strumentale ci potrebbe però permettere di cercarecanali alternativi e inusuali uno fra tutti il mondo delcinema...quindi se qualcuno conoscesse Tarantino o Kusturica ...

Gianluca Petrella Tubolibre – Slaves (2010, Spacebone Records)

2011-12-16T22:57:00.008+01:00

Articolo realizzato per Distorsioni

Giunge alquanto in ritardo questo articolo rispetto alla pubblicazione di "Slaves", secondo lavoro di Petrella ad uscire per la propria Spacebone Records, dopo il grandioso omaggio a Sun Ra di "Coming Tomorrow, Part One". In questo nuovo concept-album il trombonista barese esplora le molteplici possibilità che offre una rilettura del blues mai didascalica o appiattita nel rendere semplicemente omaggio alla tradizione. Al contrario, nel narrare la diaspora africana (ma anche le numerose schiavitù di cui siamo attualmente vittime), Petrella utilizza il blues come tessuto base in grado di sfilacciarsi attraverso le pieghe del tempo, tanto a ritroso quanto capace di proiettarsi in avanti. Fondamentale in questo l'apporto del combo Tubolibre, la cui considerevole cifra tecnica e stilistica rimane costantemente a disposizione delle esigenze narrative.

Apre Chains, quasi un intro all'album che richiama in modo esplicito non solo la deportazione degli schiavi sul Nuovo Continente ma suggerisce anche il viaggio della disperazione che in molti al giorno d'oggi intraprendono verso la fortezza Europa; una claustrofobia descritta molto bene dai suoni che rievocano sia l'oscuro clangore delle catene che l'intermittenza di un radar di bordo.

La malinconica Baby, Please Don't Go è un blues intrappolato nell'anima in cui la rassegnazione al dolororoso ricordo trattiene le lacrime per farne poi patrimonio e storia da poter tramandare.

Arriviamo ad uno dei momenti migliori di tutto il disco: The Forgotten Island, struggente ballata in cui la caratura del quartetto sfiora vette memorabili. Un incedere lento in cui il canto del trombone di Petrella si poggia inzialmente solo su alcuni effetti e sui possenti accordi dellla chitarra di Gabrio Baldacci. E quasi fosse un controcanto proveniente da un altro piano, a metà brano la tromba di Mauro Ottolini stratifica ancor di più lo spessore emotivo che raggiunge però il picco attraverso i perfetti colpi di batteria di Cristiano Calcagnile. E' incredibile quanto questo brano mi ricordi il lavoro discografico dei padri dello slo-core, ovvero i Codeine; la stessa forza scandita da pause e tocchi drammatici e potenti.

A seguire troviamo Cypress Grove, altro brano davvero spettacolare. Petrella non manca di omaggiare Skip James, autore della canzone, inserendone nella prima parte la voce (ed anche alcuni frammenti della chitarra) proveniente proprio dalla versione originale. Del blues ruale di partenza rimane l'eco di un passato che ha saputo resistere nel tempo, un anima che rivive attraverso una rilettura personale, evocativa e a tratti corrosiva; con un po' di equilibrismo, immaginatevi Marc Ribot che se ne va in giro per le strade della New Orleans descritta da Alan Parker in "Angel Heart".

Il viaggio prosegue con le allucinazioni notturne di Foul Shoes Blues, una sorta di introduzione alla successiva Slave. I 22 minuti della title-track si snodano tra espliciti riferimenti hard-rock, noise ed improvvisazione totale fino a giungere ad ancestrali richiami a madre Africa. Richiami però trasfigurati dalla sovrapposizione con l'angoscia che assale chi sottoposto proprio a condizione di schiavitù. Chiude l'album Chronicle, brano firmato da Baldacci (Mr. Rencore); una breve coda di sola chitarra che sembra provenire da una sala vuota, perchè l'ultimo blues venga suonato non per un pubblico ma in solitudine per la propria anima.

Line-up:

Gianluca Petrella: trombone, fender rhodes, effetti

Mauro Ottolini: sousafono, tromba basso, trombone

Gabrio Baldacci: chitarra elettrica, balalaika

Cristiano Calcagnile: batteria, percussioni, drum TableGuitar

Tubolibre @ Jazz Sur Son 31, Toulouse

Tubolibre @ Umbria Jazz 2011, pt.1

Tubolibre @ Umbria Jazz 2011, pt.2

Tubolibre @ Umbria Jazz 2011, pt.3

Larry Achiampong - Meh Mogya (2011, Honest Jon's)

2011-12-16T22:42:00.008+01:00

Articolo realizzato per Stordisco

Conosciuto anche come Black Ph03nix, Larry Achiampong giunge al suo debutto discografico con questo starordinario lavoro licenziato su vinile dalla Honest Jon's, etichetta che di per sé è già una garanzia (e nella quale ritroviamo un certo Damon Albarn). Originario del Ghana ma cresciuto in Inghilterra, Achiampong utilizza con padronanza uno stile immediatamente riconducibile ai mostri sacri di quell'hip hop, passatemi il termine, "destrutturato" che ha caratterizzato negli anni le produzioni targate Stones Throw Records; loops scomposti, beats dalle quantizzazioni improbabili e campioni dall'editing grezzo formano un mosaico straniante e accattivante al tempo stesso. I brevi episodi che compongono "Meh Mogya", che tradotto significa "Il Mio Sangue" ("Sample Of Me" era invece il titolo provvisorio), sono caratterizzati da un sound personalissimo frutto dei campionamenti di musica Highlife, genere originario del Ghana ma molto popolare anche in altri paesi dell'Africa Occidentale. Lontano da futili e semplicistici esotismi, questo lavoro si potrebbe collocare in un piano di metabolizzazione reciproca tra afro-beat, inteso nella sua accezione più ampia, ed hip hop; un' operazione stilistica e politica al tempo stesso. Infatti, oltre ad omaggiare esplicitamente i combattenti per la liberà dell'Africa dal dominio coloniale e neo-coloniale, Larry Achiampong pone sullo stesso piano di rilevanza culturale gli elementi provenienti dalla sua terra d'origine con quanto già acquisito in ambito di sperimentazione hip hop, spostandone in avanti il confine. Analisi a parte, "Meh Mogya" possiede veramente dei bei groove in grado di indurre almeno i corpi meno ingessati a quel movimento così fondamentale che è e rimane il ballo. Per concludere, l'album, che ritengo tra le cose più interessanti di questo 2011, è disponibile anche con sottoscrizione libera in digital download su piattaforma Bandcamp. Diggit!

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Codeine – The White Birch (1994, Sub Pop)

2011-12-16T22:38:00.006+01:00

Articolo realizzato per Stordisco

Tanto sottovalutati dall'ambiente "alternativo" istituzionalizzato dei primi anni 90 quanto influentissimi nel panorama underground, ai Codeine oggi si attribuisce la paternità del cosiddetto slo-core. Completamente in controtendenza rispetto a molte delle cose che giravano in quegli anni, come ad esempio il grunge o il post-core, ma perfettamente coerenti ad una scena che si stava consolidando lungo l'asse Louisville-Chicago, il trio ostentava una lentezza difficilmente riscontrabile altrove. Come se un processo di slow-(e)motion filtrasse il punk hard-core, dilatandone i tempi d'impatto ma lasciandone intatto il carattere d'urgenza. Attivi proprio sulla scena di Chicago dall'inizio del decennio con una prima line-up, che prevedeva Stephen Immerwhar alla voce ed al basso, John Engle alla chitarra e Chris Brokaw alla batteria, i Codeine danno alle stampe nel 1990 lo splendido esordio "Frigid Stars", seguito tre anni dopo dall' ep "Barely Real". Non me ne vogliano i cultori dell' irrinunciabile "Frigid Stars", ma è con l'avvicendamento di Doug Scharin alla batteria (Rex, June of 44, HiM) che i Codeine consegnano alla storia quello che personalmente ritengo il loro testamento artistico: "The White Birch".

L'album, che si avvale in un paio di episodi della presenza di Dave Grubbs (Bastro, Gastr Del Sol), presenta un suono maturo, compatto ma al tempo stesso drammatico, di una ruvidità in grado di graffiare l'anima mentre le canzoni scorrono una dietro l'altra senza soluzione di continuità come se fossero parti separate ma omogenee ad un unico piano-sequenza sonico ed onirico, una narrazione che diventa catarsi attraverso un rapporto intimo e simbiotico che si viene progressivamente a creare tra band ed ascoltatore. Mentre una tensione in bilico tra la dolorosa consapevolezza della fragilità di sé e l'amara accettazione di un presente ineluttabile pervade l'intero album, nella sua prima parte a dominare è quasi un monocromatismo dai forti ed improvvisi contrasti dinamici; dall'iniziale Sea, quasi un manifesto di tutto "The White Birch", fino all'apice emotivo della bellissima Kitchen Light. Washed Up, caratterizzata dal basso distorto e seducente, segna un lieve cambio di rotta verso una maggiore disarticolazione tra le canzoni, mentre la collaborazione con Grubbs da i suoi frutti migliori con la strumentale matematica di Wird, già presente in una versione di solo pianoforte eseguita dallo stesso Grubbs in "Barely Real".

La vicenda artistica dei Codeine è stata al tempo stesso breve ma intensa; meritatamente ascritti al novero delle bands più importanti di tutti gli anni 90, la loro opera è ancora oggi capace di influenzare una mole di musicisti davvero considerevole, oltrechè continuare a produrre in noi quella chimica complessa che chiamiamo emozioni.

Sea

a white ship sails on a black sea

takes my love from me

and it takes so long

but then I understand

I understand

put your hand in my good hand

promise not to leave this dry and barren land

and it takes so long

but then I understand

I understand

Kitchen Light

first a kiss, then a fall

some pale shade takes it all

tangled up in a knot

one foot free, one foot caught

light the stove with a match

I just wait, I just think

I'm so sad, I can't stand

I can't stand, I can't stand

Wird

Indie-Jazz Italia: Improvvisatore Involontario Intervista a Francesco Cusa

2011-12-16T22:04:00.010+01:00

Articolo realizzato per Distorsioni

La prima volta che mi imbattei in Improvvisatore Involontario fu, credo nel 2005, attraverso la loro newsletter. Non capii da subito come ero entrato nella loro mailing list ma trovavo interessante ricevere gli aggiornamenti sulle date di concerti jazz e di musica improvvisata. Successivamente mi capitò di conoscere Francesco Cusa in occasione del festival "Map of Moods" organizzato da Beppe Scardino nell'inverno 2006/2007 presso il Centro Artistico "Il Grattacielo" a Livorno. Cusa, che quella sera suonò con Skrunch, uno dei sui tanti progetti, mi ha gentilmente concesso un'intervista che riporto in coda all'articolo.

Improvvisatore Involontario

Catania. Dal 1994 è attivo Improvvisatore Involontario, un collettivo anomalo nato per volontà del batterista Francesco Cusa e dei chitarristi Paolo Sorge e Carlo Natoli. Anomalo perchè totalmente aperto; chiunque può farne parte, anche chi non è musicista, purchè sia riscontrabile una certa affinità e una condivisione d'intenti nella direzione di una rottura con con i cliché della proposta culturale odierna. Una direzione che può essere intrapresa soprattutto, ma non solo, attraverso una pressochè incessante attività live che vede gli Improvvisati varcare anche i confini nazionali. Recentemente parte del collettivo si è esibito per qualche giorno a New York, mentre nel settembre scorso si è svolto a Caltagirone il primo festival di Improvvisatore Involontario dal titolo "Breakfast With Giuseppi Logan", sotto la direzione artistica di Paolo Sorge. Com'è naturale che sia, poi, le vicende degli Involontari si incrociano continuamente con quelle di realtà simili come El Gallo Rojo e Franco Ferguson.

Improvvisatore Involontario è anche un' etichetta discografica che negli anni ha saputo distinguersi per la "linea editoriale" dettata non tanto da una ricerca di omogeneità stilistica, quanto piuttosto dall'interrelazione tra le varie anime del collettivo. Ogni pubblicazione, però, viene decisa da una sorta di oligarchia interna, la cosiddetta "commissione d'ascolto".

Skrunch e Naked Musicians

Spiccano, tra le produzioni, quelle a nome Skrunch e Naked Musicians, le quali vedono al centro la figura vulcanica e spesso provocatoria di Francesco Cusa.

Il nucleo di Skrunch, oltre a Cusa, è formato dagli altri due Involontari fondatori Sorge e Natoli. Il progetto negli anni si è avvalso della preziosa collaborazione, tra gli altri, del trombonista Tony Cattano, dei sassofoni di Beppe Scardino (baritono) e Piero Bittolo Bon (alto) e delle voci di Marta Raviglia e Gaia Mattiuzzi. Ad oggi Skrunch, ve lo anticipo, ha cessato l'attività ma rimangono tre albums a testimoniarne la storia. "Psicopatologia del Serial Killer", "L'Arte della Guerra" e "Jacques Lacan, a True Musical Story" descrivono un percorso dove la tradizione jazzistica, dalle orchestrazioni Ellington-iane passando dalla New Thing fino a giungere ad Anthony Braxton e Julius Hemphill, viene passata al tritacarne dal lato oscuro sotto il quale si cela parte del background del combo e da cui emergono con virulenza pulsioni post-punk, noise fino anche al metal. In più di un passagio, inoltre, certi progressismi jazz-rock sembrano riconducibili alla scena di Canterbury. I titoli scelti per le composizioni, poi, rivelano un' intenzionalità ironica, se non addirittura sarcastica.

Coordinate simili si possono rintracciare anche nelle produzioni dell'ensemble Naked Musicians. Un progetto nato da un' idea di Cusa in cui il batterista si pone alla conduction di un vasto organico che comprende buona parte degli Involontari, al centro del quale le voci di Emiliano Cinquerrui e Biagio Guerrera contribuiscono a dipingere un panorama surreale dal tono (non sembri fuori luogo) dadaista, tanto da rievocare in parte gli olandesi The Ex ma anche diverse produzioni RecRec e affini. Due finora gli albums: il primo sconcertante "A Sicilian Way of Cooking Mind" e il seguente dissacratorio "Emiliano Culastrisce". Nel marzo scorso Naked Musicians, la cui formazione è in continuo mutamento, assieme ad altre realtà associate ad Improvvisatore Involontario (come il quartetto di chitarre Tetraktys capitanato da Paolo Sorge), è sbarcato a New York per una serie di concerti che ha offerto loro l'occasione di un confronto con alcuni musicisti attivi nella Grande Mela. Ma non solo; in una delle loro performance, Naked Musicians hanno avuto come ospite il nostrano Mauro Pagani.

Switters e Skinshout incontrano Wu Ming

Nel corso degli anni le vicende legate all'attività di Improvvisatotore Involontario si sono incrociate a più riprese con quelle letterarie del collettivo Wu Ming.

Il pluricelebrato "Q", con la vecchia firma Luther Blissett, e "54" sono tra i romanzi che più hanno ispirato Switters, poliedrico trio composto dal sassofonista Gianni Gebbia, dal bassista (anche al Theremin) Vincenzo Vasi e dall'ubiquo Cusa. Con all'attivo due albums, Switters si è avvalso delle colte provocazioni di Wu Ming 1 (autore tra l'altro di "New Thing") tanto per le liner-notes del primo "The Anabaptist Loop" quanto per un contributo audio che apre il secondo "Current Trends in The Contemporary Italian Music Disaster".

Il reciproco interesse dei due collettivi ha portato invece Skinshout, ennesimo progetto che vede Cusa in prima linea, a comporre la colonna sonora dell'atteso seguito di "Q", ovvero "Altai". Quasi a voler tradurre le opere letterarie su di un piano cinematografico, è oramai è una tradizione per Wu Ming associare ad ogni uscita una colonna sonora che ne condivida le intenzioni narrative. L'omonimo album, che sonorizza i luoghi geografici descritti nel libro, si giova della voce di Gaia Mattiuzzi e dell'apporto di Xabier Iriondo agli insoliti strumenti taisho koto e mahai metak.

Improvvisatore Involontario ha ormai consolidato un catalogo abbastanza ricco da non poter essere trattato in un unico articolo. Ci tenevo però a sottolineare sia il Live @ Issue Project Room NYC di Jim Pugliese, che che si avvale della collaborazione di Marc Ribot, sia il quartetto chitarristico Tetraktys di Paolo Sorge che, tra l'altro, omaggia Elliott Sharp e Fred Frith.

Per finire, il consiglio per chi legge è di andarsi a sentire gli Involontari dal vivo, l'occasione non dovrebbe mancare.

Intervista a Francesco Cusa

A:Inizio col chiederti cosa ne pensi del termine indipendente associato al jazz, dato che altrove mi sembra di aver capito che non ti entusiasmi molto.

F: Se per indipendente intendiamo il fatto che dipendiamo dalle nostre forze, allora siamo indipendenti. Non credo che si possa parlare per la musica jazz oggigiorno di indipendenza sotto il profilo estetico. La maggior parte della musica che viene passata per avanguardia oggi è ormai roba che appartiene al passato. Questo è un periodo di grande manierismo. Ora che tutte le potenziali rotture si sono esaurite, di vere rivoluzioni è quasi impossibile che ne accadano nel jazz, come anche nel cinema. Adesso si tratta di rielaborare tutto il materiale che si è reso disponibile attraverso le rivoluzioni che ci sono state in passato, utilizzando la capacità di sincretismo e sintesi che possiede il jazz.

A: Passando ad altro, come è andata a New York?

F: New York per noi è stato un drammatico atto di provocazione. Tutto pagato da noi, viaggio e soggiorno. Impossibile aspettarsi che a qualcuno quì in Italia interessi finanziare un progetto del genere. Grazie all'entusiasmo di Marco Cappelli (professore di chitarra classica presso il Conservatorio di Palermo, n.d.t.) siamo riusciti a fare in modo che Maometto andasse alla montagna. I risultati sono stati ottimi anche in termini di critica. Ci siamo esibiti in diverse locations e abbiamo avuto la possibilità di collaborare con diversi artisti statunitensi. Io personalmente ho condiviso una conduction con Elliott Sharp. E' stata un' esperienza davvero importante anche perchè capisci ancora di più che un certo idioma è nato e poteva nascere soltanto lì.

A: Dopo l'esperienza nella Grande Mela, è ipotizzabile che Improvvisatore Involontario possa sbarcare in altre capitali importanti dal punta di vista musicale come, ma è solo un esempio, quelle scandinave, magari collaborando con collettivi simili al vostro?

F: In effetti stiamo pensando ad eventi di questo tipo. Ora ci stiamo focalizzando su Madrid. Il problema come sempre e che dobbiamo confrontarci con esigenze organizzative ed economiche di vario tipo. Viaggi del genere implicano che devi pagarti le spese del viaggio e della permanenza ed è uno sforzo che non puoi fare sempre. Certo, esiste la strada della collaborazione tra i diversi collettivi europei ed è una strada sicuramente da percorrere. Vedi ad esempio l'esperienza di Massa Sonora (meeting internazionale tra diverse realtà della musica creativa organizzato da El Gallo Rojo che si è tenuto per tre edizioni a Massa Lombarda, n.d.t.). Il problema è che, mentre in buona parte dei paesi europei le realtà che ti ospitano ricevono finanziamenti pubblici, quì in Italia è davvero difficile, se non in certi casi impossibile, garantire spazi e rimborsi ai gruppi che vengono da fuori, dato che la cultura quasi mai viene sovvenzionanta. E' una lotta, soprattutto per non perdere l'entusiasmo. Ed è una lotta anche culturale. Pensa che al festival "Breakfast With Giuseppi Logan" qualcuno, non un semplice passante, ad un certo punto ci ha chiesto: e questo Giuseppi Logan dov'è? Quando arriva? Questa e la realtà avvilente in cui ci muoviamo.

A: Parlando invece di influenze musicali, nell'articolo ho citato riferimenti come la scena di Canterbury. Ascoltando Skrunch e Naked Musicians mi sono tornati in mente bands come Soft Machine ed Henry Cow.

F: Beh, diciamo che ci sono delle convergenze dirette con Canterbuy, anche se in verità le influenze agiscono ad un livello inconscio e la musica infine segue una propria strada. Hai citato Canterbury ma potrei dirti che nella mia formazione è presente anche il metal. La mia musica è stata addirittura definita free, cosa che non sta né in cielo né in terra. Sicuramente l' eclettismo è una dote fondamentale per tutto Improvvisatore Involontario.

A: Anche la provocazione sembra essere una componente molto presente nella tua attività artistica.

F: Entrare in chiesa e cominciare a ruttare può essere definito una provocazione. Allo stesso modo nel mondo imbalzamato del jazz di oggi la provocazione suona davvero strana e non viene o non vuole essere recepita. Spesso per alcune mie caratteristiche vengo descritto come un avanguardista ma, al contrario, mi ritengo un purista e un tradizionalista.

A:Infine una domanda su Skrunch: stai lavorando su del nuovo materiale?

F: Skrunch è ufficialmente morto. La motivazione è che nessuno ci ha mai cagato più di tanto. Ora sto per uscire con The Assassins, un progetto più snello di Skrunch che ne erediterà il repertorio. Ne fanno parte i fantastici Daniele Camarda al basso e Flavio Zanuttini alla tromba e all'elettronica. E poi, assieme a Piero Bittolo Bon (sax) e Stefano Senni (contrabbasso), mi sto concentrando sul progetto Jaruzelski’s Dream .

Improvvisatore Involontario sul web

Skrunch - Alljazzera e Quel giorno che J.J.Cale si svegliò senza una gamba - Live @ Moro Jazz

Skrunch – Le Can Can de Lacan - Live in Verona

Skrunch – Lacan on The Bitch - Live @ Bodeguita, Livorno

Naked Musicians – Live @ Issue Project Room [Brooklyn, NY ] March 13th

Naked Musicians e Mauro Pagani – Live @ Italian Academy - Columbia University, March 9. 2011

Skinshout + Wu Ming 1- Altai – Live @ Leoncavallo, Milano

Tetraktys – Studio session

VV.AA. - Headz ( 1994, Mo' Wax)

2011-11-19T20:39:00.007+01:00

Articolo realizzato per Stordisco

Intro

Il 1994 è un anno cruciale. I Massive Attack danno alle stampe "Protection", il loro secondo album che li consacrerà per sempre come portatori di un nuovo verbo, accompagnati da due esordi discografici destinati a lasciare un segno altrettanto pesante, ovvero "Dummy" a firma Portishead e "Maxinquaye" del genietto che si fa chiamare Tricky. E' nato il trip-hop e Bristol sembra il centro del mondo. Ma non tutto accade lì. Poco distante dall'origine di questa singolarità cosmica, tra Londra e Oxford, un ragazzo appena ventenne ha da poco fondato la propria etichetta discografica con l'intento di produrre e diffondere le testimonianze di ciò che sta accadendo nel mondo dell' hip hop sotterraneo abitato da DJs e producers di mezzo mondo. Si chiama James Lavelle e alla sua creatura da il nome Mo' Wax.

Mo' Wax e Abstract Hip Hop

Ci tiene a precisarlo Lavelle. L'abstract è una cosa un po diversa dal Bristol Sound. Pur condividendo la natura downtempo (il tempo rallentato), l' utilizzo di grooves circolari ed ipnotici ed una buona dose di dub, Lavelle vuole che la propria etichetta sia caratterizzata da un sound preciso e differente da tutte le altre realtà. In casa Mo' Wax, infatti, la discendenza diretta con l'hip hop rimane un tratto distintivo molto più evidente rispetto agli artisti di Bristol, soprattutto per il suono minimale ricco però di breaks, trucchi e scratchs che le mani sapienti dei DJs coinvolti sanno creare. Non solo, la quasi totalità della musica prodotta è strumentale e attinge a piene mani dalla storia del jazz. La scena di Bristol, nata nei clubs, si rifà molto di più al soul, al reggae e al rock e la musica presenta un suono se possibile più "patinato", privo per l'appunto di eccessive "astrattezze". E ancora, mentre per Bristol si può parlare di una scena autoctona, il lavoro di Lavelle è incentrato nel richiamare Djs anche da altri continenti. Ciò nondimeno, sono numerose le testimonianze di stima reciproca e le collaborazioni tra questi due punti di oscillazione del downtempo. Si deve infatti alla mano di 3D, uno dei fondatori dei Massive Attack, proprio la copertina dell'album che ha ufficializzato la nascita dell' abstract hip hop: la doppia e monumentale raccolta "Headz".

Headz

La raccolta esce due anni dopo la fondazione dell'etichetta, due anni di intenso lavoro in cui Lavelle produce alcuni album e compilations ma soprattutto 12". Ormai il ragazzo, che nel frattempo comincia a farsi conoscere col moniker di U.N.K.L.E., ha focalizzato la propria attenzione verso una direzione sempre più sperimentale che lo ha portato a stilare la lista delle 18 tracce che compongono "Headz", una sorta di quadro formato da un insieme di instantanee distinte tra loro ma dotato di un mood sufficientemente omogeneo da poter funzionare come collante.

E' grazie a questo doppio che personaggi come DJ Shadow si sono imposti all'attenzione di un'audience sempre più esigente ed attenta alle nuove tendenze. Classici come In Flux e Lost And Found (che costò caro alla Mo' Wax per via di una causa intentata dai legali degli U2 per l'utilizzo del campione di batteria di Sunday Bloody Sunday) hanno prodotto quell'hype necessario affinchè la release dell'ormai storico "Endtroducing..." (Mo' Wax, 1996) fosse accolta nel migliore dei modi da stampa e pubblico. Anche U.N.K.L.E. sfrutta questa vetrina con il pezzo The Time Has Come, dove il contrabbasso campionato da Twin Stars Of Thence di Sun Ra (da "Lanquidity") dev'essere inteso come un atto di stima profonda che Lavelle nutre nei confronti del pioniere di Philadelphia. Successivamente vedremo U.N.K.L.E. impegnato col monumentale "Psyence Fiction" (Mo' Wax, 1998), intriso com'è di campionamenti e featuring ad opera di voci note come quelle di Tom York, Mike D e Richard Ashcroft.

Anche nomi come Nightmare On Wax, Authecre (quì presenti con l'ottimo proto-IDM Lowride), e Howie B. hanno beneficiato dell'esposizione ottenuta tramite "Headz".

Stranamente DJ Krush, per il quale la Mo' Wax ha prodotto un anno prima l'esordio "Strictly Turntablized", non è presente se non in una collaborazione proprio con Howie B. dal nome Olde Scottish, il cui Wildstyle, un bel funk interamente suonato, rappresenta in assoluto uno dei brani migliori di tutta l'opera. L'anno seguente il producer nipponico darà alle stampe "Meiso" (Mo' Wax, 1995) che dev'essere ritenuto, al pari di "Endtroducing...", una delle pietre miliari di tutto l'abstract.

Altre eccellenze (e quì entriamo in un ambito in cui è il gusto personale a dettar legge) le ritroviamo un po ovunque. Come nel caso dell'iniziale scura e psicotropa Freedom Now di David Patterson, contraddistinta dalla reiterazione del contrabbasso campionato da "A Love Supreme" di John Coltrane. Proseguendo l'ipnosi ci imbattiamo nei R.P.M. con il magnetismo di The inside e con 2000, dalle reminiscenze funk e jazz. Skull, ovvero il Travor Jackson di Playgroup e Underdog, è l'artefice del minaccioso Destroy All Monsters. Spetta invece ai Palm Skin Productions, vero e proprio combo di musicisti immersi nell'ibridazione tra elettronica e jazz, essere tra coloro in grado di raggiungere le vette più alte con la loro Slipper Suite.

In definitiva "Headz" rimane una sorta di manifesto stilistico ed estetico col quale schiere di producers e Djs hanno dovuto necessariamente confrontarsi negli anni a seguire. La grandezza di quest'album risiede anche nel fatto che non è affatto necessaria una sua contestualizzazione storica per essere apprezzato in pieno anche oggi.

Sabir Mateen & Silvia Bolognesi – Holidays In Siena (2011, Rudi Records)

2011-10-26T15:23:00.002+02:00

Articolo realizzato per Distorsioni

Improvvisazione ed interplay. Danno prova di esserne maestri Sabir Mateen e Silvia Bolognesi nelle loro "vacanze senesi". Un album narrativo quanto possono esserlo il respiro e il tocco quando le storie possono essere ascoltate soltanto lasciandosi attraversare dal flusso di note che prende la forma del sensibile, quando tutta la musica già esiste ma ha bisogno di essere suonata perchè ci si possa accorgere della sua presenza.

Registrato da Antonio Castiello al Teatro dei Varii di Colle Val D'Elsa e pubblicato dalla giovane e coraggiosa Rudi Records, "Holidays In Siena" fotografa in una nitida istantanea l'intimità di un suono scaturito dall'incontro dei due musicisti.

Sabir Mateen, cresciuto negli ambienti della loft-scene di New York, è uno dei sassofonisti più attivi nell' ambito avant-jazz che ritroviamo spesso al fianco di musicisti come Cecil Taylor, William Parker e Hamid Drake.

Silvia Bolognesi, dal canto suo, è uno degli astri in rapida ascesa del firmamento nostrano. Oltre ad essere stata nominata miglior nuovo talento nel 2010 dalla rivista specializzata "Musica Jazz" e ad aver studiato con William Parker, è stata in diverse occasioni presente in formazione con nomi quali Butch Morris, Rob Brown, Enrico Rava, Chad Taylor e John Tchicai.

Tornando all'album; improvvisazione ed Interplay, dicevo. Già dall'iniziale Glory si intravede un gioco di scambi dove nulla è prestabilito o addirittura detto; come se solo il silenzio che precede la performance fosse l'unica forma in grado di contenere tutto il suono. Un suono che viene stillato da strumenti nudi, privi di orpelli e catturato nella sua essenza con rispetto e maestria.

Oltre a Glory, tra i pezzi di pregio di questo lavoro alcuni più di altri lasciano il segno su chi scrive.

E' il caso di Flavio's Wine. Il suo bel mood iniziale descritto dal sax tramuta quasi senza che ci si possa accorgere in un dialogo serrato tra i due strumenti in cui le confidenze dapprima accennate divengono mano a mano sempre più condivise.

Oppure di Hugs, le cui note introduttive di contrabbasso evocano un ambiente notturno, nonchè congeniale alla timbrica del clarinetto basso, da cui si sviluppa una narrazione dal sapore quasi letterario per quanto vivida.

Ecco, prendete "Holidays In Siena" come se fosse un libro che necessita di tempo per poter essere letto. Un libro che cattura la curiosità già dalle prime righe. E il bello è che ognuno di noi può leggerci storie diverse.

Flavio's Wine

Holidays In Siena @ Rudi Records

BAAP! - Sweet Dreams, Baby! (2011, Monk)

2011-10-26T15:19:00.003+02:00

Articolo realizzato per Distorsioni

Nota per i lettori.

Dopo una prima stesura di questo articolo sono cominciati a venirmi alcuni dubbi rispetto alle influenze musicali che credevo di avere colto ascoltando quest'album. Ho approfittato del fatto di avere un rapporto di amicizia con Tony Cattano per chiamarlo ed esprimergli le mie impressioni.

Mentre sembra confermarne alcune, di altre rimane incuriosito ma contento che possa averci trovato elementi ai quali lui proprio non pensava.

Insomma, ne nasce una piccola intervista informale che ho provato a riportare in coda alla recensione.

Un esordio che non esito a definire cinematico questo "Sweet Dreams, Baby!", carico com'è di suggestioni provenienti da numerosi piani narrativi.

Il quartetto capitanato dal trombonista Tony Cattano che si cela sotto l'onomatopeico BAAP!, propone infatti una sorta di concept-album poliedrico che trae spunto da sequenze cinematografiche, strisce fumettistiche e affabulazioni, oltreché da giganti come Mingus, Monk ed Ellington. Si potrebbe immaginare il disco come la colonna sonora della trasposizione cinematografica di un fumetto in bilico tra le avventure disegnate da Sergio Bonelli e quelle di Hugo Pratt.

L'artwork suggerisce come protagonista il fantomatico Franco Ferguson, mentore di un intero collettivo di musicisti impro-jazz che porta il suo nome e padrino di numerosi incontri di boxe di improvvisazione (gli impro-ring che si tengono nella capitale). Questo chimerico personaggio è apparso anche al fianco di un pezzo di storia del jazz quale John Tchicai.

Cominciamo l'esplorazione inoltrandoci nella trama di alcuni episodi. Dopo l'iniziale tema languido di Murnau's Love Chant che omaggia il regista di "Nosferatu" arriviamo al notevole Yeahlow che mette bene in luce la maturità dei quattro musicisti. Un bel groove portato dal contrabbasso di Roberto Raciti sul quale Maurizio Chiavaro disegna un drumming percussivo in continua evoluzione. Il tema è esposto all'unisono dal trombone di Cattano e dalla chitarra di Giacomo Ancillotto ed appare subito evidente la ricerca timbrica che i due musicisti hanno portato a frutto. A dare l'idea dell'affiatamento, lo svolgimento del solo di Cattano non è semplicemente contrappuntato dal resto della band, ma si sente forte l'intenzione che a dominare sia una sorta di forma libera ben calibrata, dalla quale emerge con forza il contributo delle invenzioni della batteria.

Passiamo ora attraverso la sognante Clouds Fill Up The Sky, attraversiamo New Orleans con il blues di Tricortine, incontriamo Monk, Mingus, il dixieland ed il free-jazz grazie a Outbound e, dopo aver nuovamente omaggiato Murnau, giungiamo a Sweet Dreams, Baby!. Altro momento davvero mirabile, la title-track possiede davvero una grande forza evocativa tanto che inizialmente si ha l'impressione di trovarsi immersi nella nebbia in una barca alla deriva, rapiti dalle campane che indicano una secca...Suggestioni a parte, il brano presenta nel suo svolgimento nuovamente quella forma libera Mingus-iana in cui trovano spazio grooves, temi e suggerimenti che sembra essere il punto di forza del quartetto. Altro salto in avanti: sfiorando le spigolature di Controluce, fermandoci per una breve sosta notturna a Poggio Romano per poi ripartire per il sud degli States ed incontrare l'Art Ensemble Of Chicago in Reggae Street Blues, giungiamo quindi alla fine del viaggio: Sand, sicuramente il più onirico tra i pezzi dell'album, se non addirittura quello più cinematografico. Astrattismi percussivi, bordone di contrabbasso, spleen chitarristico e il dramma narrato dal tema di trombone dispiegano lentamente i fotogrammi dell'ultimo atto, quello in cui il protagonista si risveglia sporco e bagnato con i vestiti laceri sulle sabbie della foce di un fiume che lo deve aver portato lì dopo una notte di orrori inenarrabili. Ancora vivo e quasi incredulo di esserlo, respira l'aria allargando le braccia come uscendo da una lunga e profonda apnea.

"Sweet Dreams, Baby!" è buon cibo per l'immaginazione ed anche occasione per omaggiare molta tradizione jazz, mettendone a frutto gli insegnamenti senza spirito revival-istico ma anzi mantenendo sempre e comunque una solida spinta propulsiva verso una personalissima ricerca. Buon ascolto.

Line-Up:

Tony Cattano: tombone

Giacomo Ancillotto: chitarra

Roberto Raciti: basso

Maurizio Chiavaro: batteria

...se telefonando...

A: Levami qualche dubbio. Reggae Street Blues mi ha fatto venire in mente l' Art Ensemble Of Chicago...

T: Certo, come no. Tieni conto che come sigla finale degli incontri di impro-ring tutti i musicisti coinvolti suonano Strawberry Mango e sicuramente l'idea che l'Art Ensemble Of Chicago ha del reggae è presente in Reggae Street Blues. Nel brano ho voluto, però, anche una forte componente roots dato che mi piacciono molto bands come Skatalities e musicisti come Rico Rodriguez.

A: Yeahlow e Clouds Fill Up The Sky sono brani contigui dove sembrano confluire sia Monk che Ellington.

T: In verità c'è molto Mingus, che sai quanto stimasse Ellington. Ho provato a suonare alla "The Baron" che suona alla "Duke".

A: In Outbound ad un certo punto avviene una rottura che mi ha fatto tornare in mente Peter Brotzmann.

T: Brotzmann? Beh, non proprio, Direi piuttosto che l'impennata, il furore che senti fa parte del nostro modo di suonare. E' un cambio di direzione, un modo che abbiamo per andare da un'altra parte senza sapere necessariamente dove arriveremo. Mi piace però che tu ci abbia sentito qualcos'altro.

A: Sand è forse il pezzo che preferisco. Onirico, evocativo e cinematico. E' azzardato accostare il modo che hai di suonare il trombone nel brano a trombettisti post-Davis come Erik Truffaz e Nils Petter Molvaer?

T: A dirti la verità non è che li segua molto, quindi non credo di esserne stato influenzato. Come dici tu il brano è cinematico ed intenzionalmente onirico e per creare questo tipo di atmosfera ho suonato note lunghe col trombone effettato.

A: Per finire, citi esplicitamente Friedrich Wilhelm Murnau, regista che oggi ricordiamo soprattutto per "Nosferatu" in un tema che ricorre spesso nell'album.

T: Ho scritto Murnau's Love Chant come se fosse la colonna sonora di una scena di "Tabù", il film di Murnau girato alle isole Samoa. La scena mi ha ispirato molto: è quella in cui un uomo ed una donna amoreggiano in una barca. Canto d'amore per l'appunto. Per la melodia ho pensato molto anche alle arie di Puccini.

BAAP! @ Monk Records con preview dei brani

Mr. Rencore + Tim Berne – Intollerant (Auand 2011)

2011-10-26T15:13:00.007+02:00

articolo realizzato per Distorsioni

Mr. Rencore, progetto capitanato dal chitarrista Gabrio Baldacci che vede Daniele Paoletti alla batteria e Beppe Scardino al sax baritono, giunge al suo esordio discografico con il notevole "Intollerant".

I tre livornesi azionano la centrifuga sui loro retroterra impregnati tanto di free-jazz che di noise e si avvalgono per l'occasione della collaborazione del sassofonista Tim Berne, esponente tra i più brillanti della scena avant-jazz statunitense ed esperto in ibridazioni tra generi musicali differenti.

Il risultato è che "Intollerant" sfugge ad un semplice tentativo di classificazione da scaffale.

Jazz-core? Forse, ma come riferimento torna utile solo brevemente e a chi legge per capire quantomeno su quali mari stiamo navigando. E ancora, personalmente mi vengono in mente Last Exit di Peter Brotzmann e Denison-Kimball Trio come porti di attracco equidistanti dal punto in cui ci troviamo.

Al centro c'è sempre e comunque l'improvvisazione collettiva, una continua composizione in divenire che si snoda tra temi e idee di partenza sino a creare nuovi spunti sui quali poter rielaborare nuovamente, anche attraverso esperimenti timbrici e dinamici.

Il brano di apertura Ort Milos, ne è un limpido esempio tanto da poter essere usato come manifesto programmatico per l'intero disco, oltre ad esserne uno degli episodi migliori. Un ruvido riff di chitarra su cui si abbattono con ferocia tanto i sax quanto la batteria, lascia presto spazio ad un groove fiatistico dal quale i quattro partono per un impetuosa esplorazione sonica dove ogni intuizione sembra capace di volta in volta di poter sviluppare il brano in una forma diversa. Ed è proprio questa la chiave di volta dell'album e il motivo per il quale i 16 minuti abbondanti di Intollercaos (altro pezzo tra i più interessanti) si dispiegano cinematicamente come in una pellicola dai piani temporali intrecciati in cui l'attenzione dell'ascoltatore viene dirottata continuamente verso nuovi approdi, fino a giungere a quella che suona come una coda naturale del brano. Le dolci note introduttive della successiva Book B, infatti, si pongono come contraltare all'irruenza di Intollercaos e suonando sciolgono la tensione dapprima accumulata, per poi condurci in un crescendo emotivo con un lirismo degno delle migliori ballate.

Per chi scrive, "Intollerant" è uno dei migliori esempi di contaminazione tra post-core e jazz degli ultimi anni. Un album denso che sicuramente necessita di più ascolti ma che sin da subito suscita curiosità sia per le possibilità espresse che per quelle esprimibili, compreso il senso di incompiutezza che naturalmente ne deriva.

Punto di forza dell'intero lavoro è sicuramente l'ottimo bagaglio tecnico del quartetto, efficace ma mai prolisso o autoreferenziale, nonchè un' accurata produzione in termini di suono, risultato ottenuto necessariamente dalle fruttuose scelte, spesso non convenzionali, effettuate tanto nella registrazione che nel missaggio.

Menzione a parte merita la perseveranza con cui l'etichetta pugliese Auand prosegue nella sua opera di documentazione di molte realtà sia italiane che internazionali che orbitano attorno alla sfera jazzistica.

Buona navigazione.

Passo e chiudo.

Line-up

Tim Berne: sax alto

Beppe Scardino: sax baritono, clarinetto basso

Gabrio Baldacci: chitarra baritono, basso, loops, effetti

Daniele Paoletti: batteria

Ort Milos

Intollercaos

Mr.Rencore su Auand

Wooden Shjips – West (2011, Thrill Jockey)

2011-10-26T15:05:00.006+02:00

recensione pubblicata su Distorsioni

Dopo la consacrazione avvenuta lo scorso anno durante l'edizione del festival "All Tomorrow Parties" curata da Jim Jarmusch, il quartetto di San Francisco torna con "West", il loro vero e proprio terzo album, licenziato per l'occasione dalla prestigiosa Thrill Jockey.

Il passaggio all'etichetta di Chicago ha come prima conseguenza un suono se possibile ispessito rispetto al passato (ottime le saturazioni scelte per la chitarra) ma sempre bilanciato tanto sul piano dinamico che nell'uso sapiente della palette sonora dalla quale la band attinge.

Certo, tra i riferimenti immediati sembrano esserci Velvet Underground, Hawkwind e per certi versi anche The Doors passati attraverso il filtro di The Young Gods e di certo kraut-rock. Ma lasciando da parte ulteriori riferimenti, Wooden Shjips si sta velocemente affermando come una realtà dotata di una forte personalità ormai consolidata nel panorama del garage-rock psichedelico. I brani posseggono una struttura semplice, possente ed ossessiva, una sorta di tessuto connettivale up e mid-tempo innervato da temi ipnotici (portati di volta in volta dalla chitarra, dall'organo o dal basso) in cui la reiterazione strumentale fornisce alla poetica della voce il tempo e lo spazio di cui le immagini necessitano perchè possano dilatarsi nella nostra realtà di ascoltatori, ormai inequivocabilmente dirottata su di un piano onirico. Scuri e seducenti grooves dal drumming minimale ed incisivo dipingono il cielo basso sotto al quale ci ritroviamo a muoverci, un cielo che diviene cangiante quando squarciato dai sonici interventi solisti della chitarra. Reminescenze di un soul decadente e maledetto emergono insinuose ed insistenti durante tutto questo viaggio che ci conduce ad ovest, in direzione e oltre le macerie di Haight Ashbury. E ancora; al di là del ponte sembra che l'approdo stia svanendo in maniera del tutto naturale così che, senza ansie né timori da "bad trip", ci si possa proiettare nello spazio, oltre il tempo.

"West" suona come se fosse un catalizzatore di fumi lisergici in grado di condensare il proprio background in una miscela unica e convincente; la testimonianza di brani come Black Smoke Rising in apertura, la successiva Crossing e gli oltre sette minuti di Flight potrebbe già bastare.

In poco meno di 38 minuti, l'album si afferma come uno dei migliori di questo 2011 (almeno per chi scrive) ed è forse tra le uscite discografiche di settore destinate a lasciare il segno per i prossimi anni.

Buon viaggio.

Line-Up:

Ripley Johnson, chitarra e voce

Dusty Jermier, basso

Nash Whalen, organo

Omar Ahsanuddin, batteria

Black Smoke Rise

Crossing

Flight

Wooden Shjips official website

Wooden Shjips su Thrill Jockey

On The Other Side Of The World 2.1

2011-07-26T23:23:00.020+02:00

La musica di Jim Jarmusch extended version

Realizzato per Distorsioni in 2 parti

Intro

Per chi scrive, i film di Jim Jarmusch rappresentano una delle migliori espressioni della cinematografia dagli anni 80 ad oggi.

Detto questo, la sua intera opera non può prescindere dal profondo rapporto che il cineasta ha con la musica. Per citare lo stesso Jarmusch: "Una volta che ho terminato un film, la cosa più importante per me, oltre al film stesso, è la colonna sonora. Raccoglie i doni che mi hanno ispirato e che, come nuvole passeggere, hanno modellato con la loro ombra l' atmosfera sonica del film".

Ritrovandosi alla fine degli anni 70 nella Grande Mela, aderisce alla scena no-wave come tassierista e cantante della band Del-Byzanteens, ancor prima del suo esordio cinematografico. La raccolta"No-New York", curato da Brian Eno, è l'album simbolo di quella stagione musicale (e non solo), figlia bastarda di un numero impressionante di generi e stili che confluiscono in città con un'irruenza unica (dal punk dadaista ad una sorta di post-funk destrutturato e centrifugato, dal free-jazz, al noise e al minimalismo). Questa moltitudine di attitudini, tra cui una forte avversione al mainstream, ha un forte impatto sulla formazione di Jarmusch, al pari delle influenze provenienti dal cinema europeo (soprattutto quello francese e tedesco).
In quel periodo Jarmusch fa amicizia con il sassofonista John Lurie (che suonerà sporadicamente anche con Del-Byzanteens), futuro leader di The Lounge Lizards, band che esordì nel 1981 con Arto Lindsay nell'organico e che proponeva una miscela di jazz e punk rock noise chiamato fake-jazz . E' solo il primo fra i tanti sodalizi artistici che vedranno Jarmusch lavorare assieme a dei musicisti.

Permanent Vacation (1980)

Aloysius Parker si muove in una New York di macerie e solitudine; scene contrappuntate da
un alienante sax che suona in lontananza e da percussioni tetre come campane alterate, quasi annunciassero l'immutabilità del presente e l'inevitabilità del suo dramma. Gli incontri casuali sono rivelatori di questa realtà sempre uguale a se stessa e senza vie di fuga. Come avviene nella hall di un cinema di terz'ordine, in cui viene raccontata la storia di un sassofonista dalla tecnica e dallo stile troppo innovativi per i tempi in cui viveva (anni 50) e che, costretto ad uniformarsi agli standards tradizionali del periodo, cade in depressione e si suicida gettandosi dal tetto di un palazzo. Prima di buttarsi vede un raggio di sole attraverso il cielo grigio, e come ultimo atto cerca di risuonare la frase di Somewhere Over The Rainbow che segue il tema, ma non riesce a ricordalrla. Prima di morire, invece, come ultima cosa udirà il doppler ossessivo e bitonale delle sirene dell'ambulanza in strada.

Subito dopo aver ascoltato la storia, Parker incrocia un sassofonista di strada (interpretato da John Lurie) che accennando proprio a Somewhere Over The Rainbow, vira immediatamente dopo verso un improvvisazione che ne trasfigura il tema, come a rimarcare l'ineluttabilità del destino a cui il protagonista sembra assoggettato.

E quando alla fine Parker lascia New York a bordo di una nave, è ancora il tema di Somewhere Over The Rainbow a risuonare da una Manhattan che si allontana, sempre più stravolto dall'allucinato sax di Lurie, come un richiamo dall'inferno filtrato attraverso un gigantesco effetto Doppler.

Stranger Than Paradise (1984)

Il film, soprattutto la sua prima parte, nasce da una collaborazione tra Jarmusch e Lurie il quale, oltre ad interpretarne il personaggio principale, ne cura la colonna sonora. Lurie fa a meno del sax e dei suoi Lounge Lizards e scrive la musica per quartetto d'archi (The Paradise Quartet); ne nascono degli affreschi cameristici che suonano in perfetto accordo con il mood delle scene e con il bianco e nero della pellicola. Da sottolineare il bel tema malinconico racchiuso da Bella By Barlight (il riferimento allo standard jazz Stella By Starlight è evidente, tra l'altro fu inizialmente scritto per il film La Casa sulla Scogliera) , il teso e drammatico The Lamposts Are Mine, e il furtivo e ancor più teso Car Florida.

In coda all'album che comprende la colonna sonora troviamo una suite eseguita da una sorta di The Lounge Lizards di transizione, in cui milita ancora Lindsay, dal titolo The Resurrection of Albert Ayler; sicuramente un tributo ad uno dei mostri sacri del free-jazz, ma anche un'occasione per sperimentare i limiti della composizione ai confini del free e del noise.

Ma quella di John Lurie non è l'unica musica presente nel film. La co-protagonista, infatti è un'appassionata di Screamin' Jay Hawkins e della sua folle I Put A Spell On You. Il brano (del 1956) fece la fortuna di Hawkins, il quale si esibiva come uno stregone del villaggio proveniente dall'Africa più profonda portando con sè demoni e allucinazioni. L'estetica del voodoo-man, l'atteggiamento cannibalesco e la sua bizzarra irruenza rappresentavano un vero e proprio oltraggio oltrechè un attacco frontale alle convinzioni dell'America bianca, terrorizzata al pensiero di vedersi sgretolare il rassicurante muro dell'Apartheid. Il messaggio sembra essere: "Sono come tu mi vuoi. Anzi, molto peggio!" La sua attitudine dissacratoria anticiperà di diversi anni quella del futuro movimento Punk.

Una curiosità; il film è stato girato usando gli scarti di pellicola provenienti dalla produzione de "Lo Stato Delle Cose" di Wim Wenders, la cui colonna sonora include anche brani di Del-Byzanteens, la band di Jarmusch.

Down By Law (1986)

Ambientato in una New Orleans in bianco e nero, Daunbailò inizia con Jockey Full Of Burbon, dallo storico Rain Dogs di Tom Waits, che ci accompagna in una panoramica tra gli slums della culla del jazz e le rive paludose del Mississipi; immagini e musica sembrano rispecchiarsi alla perfezione, mentre per quanto riguarda le composizioni scritte apposta per il film, vengono affidate nuovamente a John Lourie, che anche questa volta registra assieme ai Lounge Lizards ancora in via di definizione, con Arto Lindsay alla chitarra e Marc Ribot al banjo e alla tromba(!): una colonna sonora dalle brevi incursioni, tese, scure ma ben calibrate nel rispetto delle sequenze, delle ambientazioni e dei dialoghi, tra cui spicca Are You Warm Enough, che possiede una forza narrativa anche a prescindere dal contesto per cui è stata composta.

Jarmusch rende omaggio alla Soul Queen of New Orleans Irma Thomas (sua fu una delle prime versioni di Time Is on My Side, che divenne una hit nella versione dei Rolling Stones), facendo ballare in modo buffo ma passionale Roberto Benigni e Nicoletta Braschi al ritmo di It's Raining.

A spartirsi il ruolo di protagonista con Benigni ci sono proprio Waits e Lurie.

John Lurie veste i panni di un protettore fuori dagli schemi che viene incastrato dalla polizia, mentre Tom Waits interpreta un DJ in declino e la scena in cui, appena buttato fuori di casa dalla sua donna, si siede sul marcapiede soddisfatto di aver salvato il paio di stivali buoni non curante dei 45 giri che giacciono in terra, rimane tra gli screenshot migliori di Jarmusch.

In chiusura ritroviamo nuovamente Waits con Tango 'Till They Sore, ancora dall'album Rain Dogs.

Mystery Train (1989)

Le rotaie su cui viaggia il Treno del Mistero proseguono nella direzione tracciata dal precedente Down By Law con destinazione Memphis, città del rock'n'roll, del rhythm & blues, della Stax, dei Sun Studios e di Elvis Presley. Per comprendere l'importanza delle case discografiche Stax e Sun, basti dire che la prima, orientata sul versante della musica nera, lanciò artisti quali Rufus Thomas, Otis Redding, Booker T, Sam & Dave e Wilson pickett, mentre alla seconda, specializzata in country, r'n'r e blues, si deve il successo di Johnny Cash, Carl Perkins, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis, oltrechè di Elvis (ma vi registrarono anche B.B. King e Howlin' Wolf).

E' la Memphis lontana dai grattacieli, quella decadente dei sobborghi, che sopravvive testimoniando dei miti di un tempo a fare da location alle storie che si intrecciano nei tre episodi.

Lontano da Yokohama, una giovane coppia giapponese ascolta in treno la canzone che da il titolo alla pellicola, quella Mystery Train scritta dal fondatore della Sun, Sam Phillips, e da Junior Parker ma resa celebre da Elvis. I due fanno tappa in città ansiosi di visitare tanto lo studio della Sun quanto Graceland (la casa di The King), quando ancora alla stazione si imbattono in Rufus Thomas, storica ed imprescindibile fugura della musica di Memphis; in qualità di DJ, fu il primo a trasmettere Elvis da una stazione radiofonica, mentre come musicista influenzò figure del calibro di Otis Redding e Rolling Stones.

Tornando alla coppia di turisti, ormai stanchi di vagare per la città trovano un albergo in cui passare la notte. Una sorta di Heartbreak Hotel in cui il tempo è sospeso sulle note di Blue Moon, annunciata alla radio dalla voce del DJ Tom Waits (una citazione che ci riporta a Down By Law). E come se si trattasse di un girone dantesco, a fare gli onori di casa troviamo un Cerbero di tutto rispetto: Screamin' Jay Hawkins (di cui ho scritto prima) nei panni di eccentrico un portiere di notte. In un luogo simile può accadere anche che il fantasma di Elvis, probabilmente in cerca della sua Graceland, sbagli indirizzo e appaia dinnanzi a Nicoletta Braschi, salvo poi svanire con tanto di scuse.

A perdersi in questo spazio troviamo anche i tre fuggiaschi del terzo episodio. Uno di questi è un personaggio dal look rockabilly che ha perso in un solo giorno il lavoro e la ragazza, va in giro armato, frequenta i locali per neri (che lo canzonano chiamandolo Elvis) e al juke-box seleziona The Memphis Train di Rufus Thomas (altro riferimento incrociato). Nessun altro avrebbe potuto interpretare questo ruolo se non Joe Strummer, icona del punk-rock ed elemento fondamentale della band culto The Clash. Lo stesso Jarmusch afferma che di fronte ad un rifiuto di Strummer il film non si sarebbe mai girato. I due, tra l'altro, hanno da poco recitato assieme in Straight To Hell, una sorta di parodia del genere western il cui cast è zeppo di rockstars. Per quel che riguarda i Clash, la loro importanza non può essere riassunta brevemente, perciò, per chi ne avesse bisogno, l'invito è ad approfondire abbondantemente.

Arrivati a questo punto si potrebbe pensare che la sbornia musicale sia completa, se non fosse per il continuo contrappunto di omaggi e citazioni (al centro delle quali troviamo molti dei musicisti che hanno inciso per la Stax e per la Sun) e per le musiche originali scritte nuovamente da John Lurie. Il sassofonista questa volta utilizza un ensemble ridotto con Marc Ribot alla chitarra e al banjo. La maestria di Lurie emerge nell' essenzialità nel sottolineare i movimenti di macchina e nella discrezione nell' evitare contrasti ritmici, dinamici e timbici con le canzoni che continuamente attraversano la pellicola.

In definitiva Mystery Train si può considerare un cult-movie, sia per l'enorme omaggio ad una parte della storia della musica che dal blues, passando per il rock'n'roll e rhythm&blues approda al punk-rock, sia per l'ottimo lavoro di scrittura che rappresenta lo "step-beyond" della maturità di Jarmusch come sceneggiatore.

Night On Earth (1991)

Ad accompagnarci in questo giro del mondo in cinque città ci pensa la musica che Tom Waits ha scritto appositamente per il film. Si parte con il brano di apertura Back In The Good Old World, in tipico stile "waitsiano", il cui leitmotiv viene poi ripreso nei temi e nei moods che introducono gli episodi e ne infatizzano l'atmosfera; dalle saturazioni di Los Angeles Mood al blues sghembo che scivola verso il free ed il noise di Los Angeles Theme, dallo swingato New York Theme all'indolente New York Mood, dalla fisarmonica di Paris Mood al clima solitario che si respira in Helsinki Mood. E' un peccato che nell'album non trovi posto il malinconico Roma Mood (presente invece nel film); in compenso Waits dedica ben tre brani alle nefandezze del tassista Benigni: i grotteschi circensi Carnival e Carnival Bob's Confession e l'allucinato Dragging A Dead Priest.

Nel complesso la musica e lo stile "notturno" di Tom Waits rafforzano la coesione tra gli episodi e conferiscono una decisa caratterizzazione al clima di tutto il film.

Anche in Tassisti Di Notte non mancano le citazioni di tutto rispetto.

La tassista Winona Ryder guida per le strade di Los Angeles perfettamente a suo agio con un brano garage rock dal fuzz corrosivo quale Cycle-Delic, di Davie Allan & The Arrows. Alla chitarra acida di Davie Allan si devono molte colonne sonore di b-movies della seconda metà degli anni 60 che vedono i Bikers come protagonisti.

Dall'autoradio del taxi irrompe anche Summertime Blues nella versione disturbata dei Blue Cheer, gruppo che ha esordito sul finire degli anni 60 e ritenuto tra i padri dello stoner rock.

Sempre la Ryder, chiede al suo capo se ha mai sentito nominare un gruppo chiamato Tool. Dato che siamo nel 1991 e la band di Los Angeles deve ancora pubblicare il loro Ep d'esordio "Opiate", la domanda della tassista sembra essere più un suggerimento per lo spettatore: "tenete le orecchie ben aperte!".

Nell'episodio parigino, una non vedente pressata dalle domande dell' autista Isaach De Bankolé afferma spazientita di sapere bene che forma ha una chitarra e che, riguardo alla musica, è in grado di sentire cose che gli altri non sentiranno mai.

L'ultimo episodio è girato ad Helsinki, città del regista Aki Kaurismäki, autore di Leningrad Cowboys Go America, nel quale Jarmusch interpreta un rivenditore di auto usate.

Leningrad Cowboys è la storia di una band strampalata e demenziale che, in arrivo dal nord euoropa, approda in America in cerca di ingaggi (qualche scena sembra anche omaggiare i Blues Brothers).

I due filmakers nutrono una sincera stima reciproca, ed è quindi del tutto naturale che, anche indirettamente, si rafforzi il loro sodalizio artistico. Il tassista di notte della capitale finlandese, infatti, è Matti Pellonpää, già manager dei Leningrad Cawboys.

Come ultima nota, nei titoli di coda Jarmusch non manca di ringraziare, oltre ai Leningrad Cowboys, anche Flea, Sun Ra e John Lurie.

Dead man (1995)

Il capolavoro Western Psichedelico che vede Johnny Depp come protagonista forse non avrebbe avuto la stessa capacità di penetrare a fondo nell'anima dello spettatore senza il contrappunto emotivo suscitato dalla chitarra onirica di Neil Young. Il rocker canadese realizza un piccolo gioiello, improvvisando su di un pre-montato senza aver visto in precedenza il film; è lui stesso spettatore per la prima volta. La sua interazione estatica e fluida provoca una profonda sinergia con il bianco e nero scelto da Jarmusch. La distorsione della sua chitarra impressionista copre l'intera gamma dinamica disponibile mantenendosi principalmente sul registro medio e basso, mentre attraverso l'uso massiccio di delay, reverbero e leva del tremolo amplifica ancora di più l'effetto allucinogeno del film.

Il tema portante affiora continuamente dai solo, intervallati dagli spoken estratti dalla pellicola, per poi delinearsi più nitidamente, quasi come una vera e propria song, nel lungo e narrativo Guitar Solo 5.

L'album si lascia apprezzare a distanza dalla visione che accompagna, calandoci in un clima edificato tanto dai fotogrammi trasmutati dalla memoria che dagli elementi personali rievocati dal proprio immaginario; il viaggio continua...

Jarmusch afferma di aver ascoltato continuamente alcuni brani di Neil Young (senza specificare quali) durante le riprese del film, ma che non avrebbe mai scommesso sul fatto che sarebbe stato proprio lui a comporne la colonna sonora.

E come per ricambiare il favore, nel 1997 Jarmusch realizza "Year Of The Horse", un documentario sull'attività live di Neil Young assieme alla sua band Crazy Horse.

Una curiosità: in Dead Man è presente anche Iggy Pop nel ruolo di una vecchia signora non proprio raccomandabile.

Ghost Dog (1999)

L'ennesimo picco creativo di Jarmusch narra la storia di un samurai afroamericano dall'evidente estetica hip-hop, interpretato da Forest Whitaker, che vive secondo il codice dettato dagli aforismi raccolti nell' Hagakure, vero e proprio viatico del guerriero al servizio del proprio daimyō (signore).

Il rigore di Ghost Dog nel praticare la "knowledge" (conoscenza, consapevolezza) richiama quella che, secondo alcuni esponenti (come Afrika Bambaataa), viene definita la quinta arte dell' hip-hop, dopo MCing, DJing, breaking e writing. Una cultura, quella nata nel Bronx grazie soprattutto a figure come il giamaicano Kool Herc, il cui immaginario negli anni si è lasciato permeare da numerosi elementi provenienti dalla tradizione delle arti marziali, Kung-Fu in testa.

Coerentemente con l'essenza del protagonista, Jarmusch commissiona le musiche del film al rapper e producer RZA che, oltre alla colonna sonora, produce un'intero disco dal titolo "Ghost Dog – The Album".

Il tema di apertura è affidato allo strumentale Raise Your Sword, in cui un sottile spleen affiora e fluisce sul beat minimale dai richiami "abstract". Il brano, uno dei migliori, viene poi ripreso col titolo Samurai Showdown, nel quale il rapping di RZA ci accompagna nei titoli di coda.

Interessante anche Funky Theme, presente che nella colonna sonora come strumentale, mentre nell'album prende il nome di Strange Eyes e ci viene servito con il feautiring di Sunz Of Man , 12 O' Clock e Blue Rasberry.

RZA è, tra l'altro, anche un membro del collettivo Wu Tang Clan, che deve il proprio nome a Shaolin & Wu Tang, un film cinese del 1981 basato sulla spettacolarizzazione dei combattimenti Kung-Fu. Ed è tutto il Clan a firmare il minaccioso Fast Shadow, un altro dei pezzi più interessanti della colonna sonora.

E come spesso avviene nelle produzioni di Jarmusch, nella pellicola sono presenti alcuni brani che probabilmente il regista deve aver ascoltato in fase di preparazione.

Il primo è Armagideon Time (1978) di Willie Williams, uno dei brani più popolari in ambito roots-reggae e ripreso più volte e con nomi diversi da backing-bands giamaicane, come ad esempio The Sound Dimension, e in seguito coverizzato dai Clash ed usato come b-side per il 45 giri di London Calling.

Il secondo è Nuba (1979), brano dal forte potere evocativo del batterista avant-jazz Andrew Cyrille assieme al sassofonista Jimmy Lyons. Da notare che l'album omonimo è stato inciso per l'etichetta italiana Black Saint.

Per finire, il pezzo Cold Lampin With Flavor di Flavor Flav, dall'album "It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back" (1988) dei Public Enemy, viene canticchiato nel film almeno un paio di volte dallo stesso mafioso che accosta il nome Ghost Dog alla cultura hip-hop.

Coffee And Cigarettes (2003)

Caffè e sigarette consumate su dei tavolini con disegni a scacchiera e conversazioni surreali costituiscono il filo conduttore di questa raccolta di corti girati tra il 1986 e il 2003. Coerentemente, la colonna sonora è una compilation eterogenea in cui troviamo Funkadelic, Iggy Pop & The Stooges, Skatalites, Tom Waits, Modern Jazz Quartet, Gustav Mahler e altri ancora; brani che, di volta in volta, vengono suonati dalla radio di casa o dalla filodiffusione di una hall d'albergo, dai juke-box dei bar oppure sembrano provenire dalla tromba delle scale.

Anche questa volta i riferimenti musicali sono più volte al centro dell'attenzione, vuoi per gli argomenti trattati nei dialoghi, vuoi perchè a conversare spesso troviamo dei musicisti.

Da qualche parte in un bar della California, Tom Waits e Iggy Pop sono impegnati in piccole provocazioni reciproche tanto che alla fine faticano a salutarsi amichevolmente.

In un altro bar, i fratelli Jack e Meg, ovvero The White Stripes, cercano di capire che cosa è andato storto nel loro esperimento con la Bobina di Tesla. Nikola Tesla viene descritto (giustamente) da Jack come uno scienziato rivoluzionario il quale, tra l'altro, vedeva la Terra come un conduttore di risonanza acustica, intuizione che verrà riportata anche nell'ultimo episodio.

Altro bar, presumibilmente a New York; GZA e RZA del Wu Tang Clan si imbattono in Bill Murray al quale consigliano un rimedio per la tosse a dir poco drastico.

Durante l'incontro di due incerti cugini viene reso un piccolo omaggio a Spike Jonze, autore e regista di videoclip per Beastie Boys, Bjork, Sonic Youth, Chemical Brothers e molti altri.

"Mystery Train" viene poi citato indirettamente più volte nel sarcastico episodio in cui, in un bar di Memphis, Steve Buscemi prova a convincere Cinqeé Lee, che nel film recitava al fianco di Screamin' Jay Hawkins, e Joie Lee (rispettivamente fratello e sorella di Spike Lee e figli del musicista Bill Lee) dell' esistenza di un fratello gemello di Elvis Presley. Per tutta risposta Joie gli chiede se conosce Junior Parker (l'artefice del brano Mystery Train) e Otis Blackwell, autori e musicisti afroamericani ai quali sembra che Il Re desse pochi dollari per scrivere le canzoni e ne rubasse le movenze per poi esibirle sul palco.

Nell'ultimo episodio Jarmusch ci racconta, per mezzo delle icone artistiche Taylor Mead e Bill Rice, come si sente "divorziato dal mondo" e sembra voler consegnare il senso della sua arte e della sua poetica al lied di Gustav Mahler che recita " del mondo ho perduto ogni traccia".

Dopo i consueti ringraziamenti, nei titoli di coda l'ultimo pensiero del regista è per il rocker ed amico scomparso l'anno prima: "Lunga vita a Joe Strummer"

Broken Flowers (2005)

Contrariamente a quanto fatto fino ad ora, escludendo "Coffee And Cigarettes" in quanto raccolta di cortometraggi, Jarmusch non commissiona ad alcun musicista la scrittura di una colonna sonora originale ma "si affida" direttamente ai brani che lo hanno ispirato durante la scrittura del film, e principalmente a quelli di colui che viene riconosciuto come il padre dell' ethio-jazz, ovvero Mulatu Astatké.

Musica davvero unica quella di Mulatu; jazz, latin, funk, psichedelia garage ed elementi della tradizione etiope (ma sono rintracciabili anche influenze roots-reggae) convivono in una miscela irresistibile; grooves e temi che suonano come un richiamo ancestrale proveniente dalla madre dell'umanità, quella parte dell' Africa dalla quale proveniamo tutti.

Probabilmente Jarmusch ne dev'essere rimasto affascinato ascoltando il 4° volume della preziosa collana "Ethiopiques" (Buda Musique), serie monumentale di raccolte che ben testimoniano delle qualità di generi e stili dell'Etiopia a partire dagli anni 60. E come un tam-tam planetario, "Broken Flowers" funziona da enorme cassa di risonanza per l'arte di Astatké. Esplode così la febbre dell' ethio-jazz, che porterà al compositore e polistrumentista i meritati riconoscimenti internazionali.

Gli anni a seguire lo vedranno calcare nuovamente i palchi di mezzo mondo e incidere nuovi album, tra i quali quello nato dalla collaborazione con la giovane band The Heliocentrics, ovvero lo splendido "Inspiration Information" (2009 Strut).

I brani scelti da Jarmusch sono dei grandi classici di Astatkè e provengono dal periodo a cavallo tra la fine degli anni 60 e la prima metà degli anni 70.

Yekermo Sew, Yegelle Tezeta e Gubelye fanno da contraltare all'apatica disillusione da cui è afflitto il protagonista Don Johnston, un Don Giovanni in declino interpretato da Bill Murray. Sono i brani che forniscono il "motore" emotivo di cui ha bisogno Don per trovare un senso alla propria vita ("musica che scalda il cuore") e che lo accompagneranno nel viaggio ormai necessario alla ricerca della propria salvezza, un cammino sempre più doloroso attraverso un' America consumata dal proprio sogno e confinata nelle proprie solitudini e in stereotipi grottescamente "rassicuranti".

E' alquanto significativo, in questo senso, che la presentazione in primo piano di Yekermo Sew avvenga subito dopo il Requiem op.48 di Gabriel Fauré, quasi ad assolvere ad una funzione salvifica per l'anima del protagonista.

Winston (Jeffrey Wright), l'amico che sprona Don a cercare il figlio e che provvede a tutti gli aspetti del viaggio (musica compresa), nutre una specie di venerazione per Astatké tanto da averne una raffigurazione nel soggiorno di casa, tra icone sacre copte e Leoni di Giuda.

Coerentemente con la profonda influenza che la storia etiope ha avuto sul Rastafaresimo in Jamaica, Winston è anche un amante del roots-raggae: El Bang Bang di Jackie Mittoo e Ride Your Donkey ad opera di The Tennors sono sicuramente frutto di una scelta ricercata in linea con l'inclinazione underground di Jarmusch.

Rimanendo ancora in ambito black, la sera prima di intraprendere la sua ricerca, Don ascolta in solitudine I Want You di Marvin Gaye. Ha di fronte a sè un bicchiere di champagne che non beve come se volesse "brindare" assieme ai fantasmi del proprio passato. Il brano in questione (1976) è la title-track dell'album che ha segnato una leggera svolta di Marnin Gaye verso ambiti più pop rispetto al proprio passato.

Spostandoci su territori propri del rock, ci imbattiamo nei Brian Jonestown Massacre, gruppo seminale e ultra indipendente tanto da non aver mai concesso nulla al mainstream discografico; dai numerosi fuoriusciti dalla band sono nati tanto i Black Rebel Motorcycle Club quanto i Dandy Warhols. La figura di "loser" del leader Anton Newcombe, descritta nel documentario "Dig!" Vincitore del Sundance Festival del 2004, non deve aver lasciato indifferente Jarmusch che inserisce il brano Not If You Were The Last Dandy On Earth nella playlist del film.

Scendendo ancora di più nei sotterranei, parallelamente con le vicissitudini del protagonista, troviamo gli Sleep, stoner-metal band molto influente nella scena metal underground agli inizi dei '90. Dopesmoker è il loro lavoro più difficile; un cupo brano lungo più di un'ora che ha avuto molte difficoltà di pubblicazione ma che ha fruttato al gruppo la moltiplicazione delle attenzioni di colleghi e stampa specializzata; nel tempo il pezzo è divenuto quasi un oggetto di culto nell'ambiente stoner e doom.

Spetta invece ai Greenhornes il compito di aprire e chiudere Broken Flowers. La band garage-rock, che vanta collaborazioni con i White Stripes e Kim Deal (Pixies), è presente nella colonna sonora con due brani. There Is An End , scritta e interpretata assieme alla cantautrice inglese Holly Golightly (sua è anche Tell Me Know So I Know), è forse la canzone che meglio rappresenta il mood che si respira nella pellicola. Il testo, infatti, recita:

Le parole svaniscono,

parole un tempo così chiare,

solo delle eco che attraversano la notte.

Le linee sul mio volto,

tracciate un tempo dalle tue dita,

sbiadiscono il riflesso di ciò che è stato.

...

Ogni stagione ha una fine.

Si, per Don una stagione, quella dei mille amori, si è conclusa; ora si trova dolorosamente solo a fare i conti con le macerie di quel passato che riempiono la vacuità del presente, frutto di quelle scelte che lo hanno condotto al declino.

Gli ultimissimi minuti dei titoli di coda sono musicati dal secondo brano a firma The Greenhornes; si tratta del notturno, ruvido ma dolce strumentale Unnatural Habitat.

The Limits Of Control (2009)

Il controllo di massa culturale, politico e religioso che stiamo subendo in questa sorta di Neo-Medio-Evo ha dei limiti, può essere distrutto dall'immaginazione e dall'abilità. Il sistema totalitario che sottende a tale controllo ha delle falle; non contempla l'improvvisazione, la memoria, la percezione e la natura soggettiva e arbitraria della realtà.

Il percorso del killer impersonato da Isaach De Bankolè è un viaggio psichedelico attraverso la cosmogonia di Jim Jarmusch, la rivendicazione della propria libertà umana prima ancora che artistica. Una realtà multidimensionale, impreziosita notevolmente dalla fotografia impressionista di Christopher Doyle, che si snoda attraverso una forma ibrida di cinema e musica (ma anche pittura, fotografia e filosofia) e che dispiega il presente tra le pieghe del continuum spazio-temporale di una metafisica drone-music.

The Limits of Control prende in prestito la forma canzone, la destruttura fornendo il canovaccio per un'improvvisazione onirica e minimalista lungo un'introduzione, tre movimenti (tre luoghi) e una coda finale. Un brano acido, ammaliante, dalle venature blues e flamenco, increspato da distorsioni fuzz in grado di elevarne l'emotività. L'attacco al cuore del mainstream avviene intenzionalmente senza un piano predefinito, lasciando che le note risuonino naturalmente senza limiti, fino a ricomporre dei quadri che possano fungere a loro volta da ispirazione e simboleggiare l'intuizione al tempo stesso, come in un'infinita e circolare danza di particelle.

Jarmusch non crede che le cose accadano per puro caso, ma altresì crede nelle contraddizioni. Il suo è un cinema dell'amore per le infinite possibilità delle ricombinazioni artistiche, un tentativo di cercare l'equilibrio attraverso la non-azione (secondo l'accezione filosofica orientale) e il non-luogo, una ricerca della sintonia con le mille variazioni possibili contenute in tutto ciò che deve ancora essere visto o udito.

I brani della colonna sonora, oltre a caratterizzarne profondamente l'atmosfera, seguono le stesse coordinate utilizzate nella produzione del film. Descrivendo la musica della band giapponese di rock sperimentale Boris, presente nella tracklist con 5 brani (due dei quali assieme agli statunitensi Sunn O))), altra realtà sperimentale tra drone-metal e ambient-noise), Jarmusch afferma: " Ciò che è davvero notevole è che quando suonano dal vivo lo fanno come dei musicisti jazz, non strutturalmente o musicalmente, ma nel modo in cui ascoltano quello che gli altri stanno facendo costruendoci sopra. Ogni volta che suonano qualcosa è ovviamente differente, sempre."

Il brano Fuzzy Reactor, che vede la partecipazione del chitarrista Michio Kurihara, si dipana lungo il percorso che separa l'aeroporto Barajas da Madrid, durante il quale il regista inizia a svelarci le sue lisergiche intenzioni utilizzando anche l'esperienza acquisita nella produzione di videoclips (personalmente ci vedo anche un omaggio a "Solaris" di Andrej Tarkovskij, vuoi per l'ambientazione autostradale vuoi anche per la profonda sinergia audio-visuale).

Sullo stesso terreno acido anche la band psichedelica The Black Angels ma, soprattutto, i veterani Earth. Pionieri delle commistioni tra il doom-metal e la drone-music (incorporando recentemente anche elementi jazz e country), i musicisti di Seattle vantano la collaborazione di un ruvido Bill Frisell nel brano Omens And Portents 1 The Driver; sembra quasi scontato che sia stato proprio questo mood torrido da "resa dei conti" a permeare l'immaginazione di Jarmusch nel girare le ultime scene.

Veniamo ora ai Bad Rabbit, trio formato da Carter Logan, Shane Stoneback e dallo stesso Jim Jarmusch. Il Bianconiglio che sgranocchia peyote è, per dirla con le stesse parole del regista, una slo-motion psychedelic rock'n'roll band. Pongono la firma sull' intro del film e su due ottimi pezzi, Sea Green Sea e Dawn, che compaiono anche nell'ep ad edizione limitata uscito pochi giorni dopo la pellicola.

Il flamenco di El Que Se Tenga Por Grande, nella doppia versione di Carmen Linares e di quella interpretata in una scena del film ad opera di Talegon De Cordoba & George Rodriguez, porta in sé una delle frasi ricorrenti in tutto il lungometraggio: "chi crede di essere più grande di tutto deve andare al cimitero, lì vedrà quello che la vita veramente è, un pugno di polvere".

Finiamo come nel film, con una sorta di grido di vittoria finale, un gioco di parole e di significati con il titolo che suona anche come un'esortazione:

"NO LIMITS NO CONTROL"

Con Rispetto.

Fonti:

The Jim Jarmusch Resource Page: http://www.jim-jarmusch.net/

Il cinema di Jim Jarmusch e il jazz: http://www.offscreen.it/back/jimjarmusch.htm

Cinemagnolie: http://cinemagnolie.blogspot.com/2010/05/jim-jarmusch-o-linsostenibile.html

Cineclandestino: http://www.cineclandestino.it/articolo.asp?sez=4&art=2277

The Playlist: http://theplaylist.blogspot.com/2009/05/first-listen-jim-jarmuschs-bad-rabbit.html

Wikipedia

Slint – Spiderland (Touch & Go 1991)

2011-03-28T20:55:00.013+02:00

Articolo realizzato per Distorsioni

Arpeggi reiterati ed accordi ostinati che si intrecciano tra tempi pari e dispari formando un tessuto ipnotico in grado di trascinare l'ascoltatore in una catarsi dai forti contrasti dinamici in cui si insinua la poetica di una voce narrante che sa farsi sussurro (auto)consolatorio e urlo liberatorio. Una sorta di solennizzazione collettiva del proprio spleen . Una liturgia ben testimoniata dall'effetto che un classico come Washer produce in sala durante la performance del tour celebrativo che nel 2007 tocca l'Europa, intitolato proprio a Spiderland e che ha visto nuovamente gli Slint riuniti dopo più di 15 anni.

Il gruppo nasce a Louisville alla fine degli anni 80 dalle ceneri degli Squirrel Bait, seminale Post-Core band in cui militavano Brian McMahan, Britt Walford e Ethan Buckler dei futuri Slint ( che comprenderanno anche David Pajo, mentre Ethan Buckler verrà poi sostituito da Todd Brashear), ma anche uno degli elementi fondamentali dei Bastro, ovvero David Grubbs.

Gli Slint, assieme a Codeine e Bastro, possono essere considerati i padri di quello che è stato successivamente ( e giornalisticamente) chiamato "Post-Rock", termine spesso abusato per definire un genere "altro", nato effettivamente dai clichè che adottarono molti gruppi che vennero in seguito ma che non appartenevano a quell'esperienza in termini di eredità più o meno diretta. Spiderland è da molti considerato l'album simbolo di quella stagione musicale, quel percorso sviluppatosi in direzioni diverse negli anni e che ha visto come protagoniste le numerose bands nate dalla santa trinità di cui sopra: The For Carnation (capitanati da Brian McMahan), Rodan, June of 44, Gastr Del Sol, Tortoise, Aerial M (progetto solista di David Pajo) e Don Caballero sono tra le realtà più rappresentative, ognuna con le proprie caratteristiche peculiari in termini di ricerca di genere e stile.

Mentre i Codeine coniano musicalmente lo Slo-Core e i Bastro intrecciano cinetiche figure geometriche, gli Slint sembrano rimetabolizzare l'esperienza degli Squirrel Bait incorporando nel loro DNA elementi più "matematici" ma asciugando il sound in favore di un'essenzialità che pone in primo piano il rapporto tra le parti ritmiche e quelle armoniche/melodiche. La scelta è quasi sempre orientata alla ricerca della continua evoluzione dello stato di tensione musicale attraverso l'utilizzo di accordi fortemente dissonanti, tempi dispari e spostamenti di accenti. La melodia viene spesso affidata alle progressioni armoniche combinate alle escursioni al di fuori della reiterazione di arpeggi e/o accordi. Ne scaturisce un voicing nient'affatto ad esclusivo appannaggio delle trame chitarristiche ma che, anzi, presenta un respiro collettivo con il basso dotato di una propria dimensione ritmico-melodica ed un drumming volto a tracciare personali geometrie variabili, il tutto all'interno di un disegno coerente e coeso. Una sorta di dichiarazione d'intenti già dall'iniziale Breadcrumb Trail e dalla successiva Nosferatu Man e che in chiusura diventa manifesto con Good Morning, Captain.

La voce ha un ruolo più letterario che melodico, una sorta di narrazione (i testi posseggono una loro forza anche a prescindere dalla musica) che può trasmutare dal distacco dell'uso della terza persona all'immedesimazione dolorosa nell'assumere la prima. Il ragno ha tessuto la sua tela e noi ci siamo rimasti impigliati, inevitabilmente.

Una caratteristica peculiare di Spiderland è quella di possedere una geometria precisa: apre e chiude con brani dalla ritmica incalzante che contrastano nettamente con i più crepuscolari vicini di "solco" Don, Aman, privo della batteria, e For Dinner, privo invece della voce, quasi a rispettare un silenzio dovuto dopo l'ascolto del già citato Washer, brano posto al centro dell'album, tesa e lacerante pietra angolare posta a sorreggere il dolore dell'amore perduto, in un equilibrio dinamico destinato a frantumarsi nella consapevolezza che un atto liberatorio è comunque momentaneo e irripetibile. Impossibile (almeno per molti) rimanere immuni dalla forza emotiva che evoca l'ascolto del brano.

Gli Slint cessano di esistere nel 1991, anno di pubblicazione di Spiderland, ma hanno ormai gettato i semi per i frutti che raccoglieranno in tanti, tra cui i Rodan da cui prendono le mosse immediatamente dopo i June of 44 (forse gli eredi più accreditati degli Slint), il cui primo album Engine Takes To The Water (1995) sembra l'ideale prosecuzione di Spiderland sotto molti punti di vista ("we write songs like letters"), ma questo è un altro disco...

"promise me the sun will rise again"

Line-up:

Brian McMahan: chitarra e voce

David Pajo: chitarra

Todd Brashear: basso

Britt Walford: batteria

Tracklist:

1. Breadcrumb Trail

2. Nosferatu Man

3. Don, Amen

4. Washer

5. For Dinner...

6. Good Morning, Captain

Discografia:

Tweez - 1989

Spiderland - 1991

Slint (Glenn/Rhoda Ep) 1994 (registrato nel 1989)

On The Other Side Of The World - La musica di Jim Jarmusch

2011-02-10T23:23:00.008+01:00

Articolo realizzato per Senza Soste

Nota per gli eventuali lettori: prendete l'articolo così come è, una sorta di appassionato resoconto, uno stimolo a chi voglia approfondire l'opera di un maestro e magari andarsi ad ascoltare coloro che l'hanno ispirato.

Nel vasto panorama dei rapporti possibili che hanno musica e cinema, quello che ne scaturisce dai film di Jim Jarmusch è peculiare. Guardare le sue pellicole molto spesso restituisce l'esperienza dell'ascolto di un disco. Non a caso egli stesso afferma di sentirsi un po come una "rockstar" mancata, in bilico tra la difficile ma creativa vita underground del bohémien e la fama, con i vincoli che essa comporta. In Night On Earth - Taxisti di Notte (1992) una taxista/meccanico di Los Angeles, interpretata da Winona Ryder, rifiuta una parte importante in una produzione hollywoodiana ammettendo che "beh, si, fico" ma è meglio mantenere la propria libertà, "mi spiego?".

Jarmusch, che ha alle spalle anche un passato da musicista, sembra scrivere alcune delle sue opere proprio come delle canzoni: come nel caso di The Limits Of Control (2009), in cui i dialoghi si ripetono con lievi differenze ogni volta, quasi si trattasse di "refrains".

Sin dagli esordi, l'intera opera di Jarmusch è continuamente intrecciata di citazioni e collaborazioni che sembrano rimbalzare come in un gioco di specchi; dei rimandi che attraversano obliquamente lo spazio/tempo e che provengono da differenti ambiti musicali; dal Rock al Jazz, dal Punk al Blues, dal Country all' Hip Hop, fino all' Ethio Jazz.

In Permanent Vacation (1981) il protagonista Aloysius Christopher Parker vuole chiamare un suo futuro figlio Charlie , in omaggio a Bird, e incrocia John Lurie, leader dei Lounge Lizards, mentre suona il sassofono per strada.

Sempre John Lurie sarà il protagonista del successivo Stranger Than Paradise (1984) e ne curerà la colonna sonora, scrivendo però la musica per quartetto d'archi piuttosto che suonando con la propria Jazz-band. Il film inizia con le convulsioni Blues di I Put A Spell On You di Screamin' Jay Hawkins che vedremo poi interpretare la parte di un eccentrico portiere d'albergo in Mystery Train (1989), ambientato nella Memphis abitata dal fantasma di Elvis Presley.

In Mystery Train (colonna sonora parzialmente affidata ancora a Lurie) assieme a Steve Buscemi troviamo come co-protagonista Joe Strummer, tassello fondamentale dei Clash. I personaggi si muovono in una città in cui tutti ascoltano la stessa radio che manda vecchi successi introdotti dalla voce di Tom Waits. Il riferimento, quasi un tratto di continuità con il precedente Daunbailò (1986), è esplicito. Il film, la cui colonna sonora è affidata ancora una volta a John Lurie (tranne un singolo di Waits), è ambientato a New Orleans, altra importante capitale americana della musica. Tom Waits è un dj a tempo perso, il quale è appena stato buttato fuori di casa dalla propria donna che gli getta di sotto tutti i suoi averi. Seduto sul ciglio di una strada e circondato dai vinili a pezzi, è soddisfatto di aver salvato il paio "buono" di stivali . Un vezzo, sicuramente, ma la citazione rimanda alla condizione delle popolazioni rurali da cui il Blues è nato. Le scarpe "buone" come simbolo di elevazione nella scala sociale, ma anche mezzo necessario per poter andare lontano a cercar fortuna.

Sempre Tom Waits firma la colonna sonora del già citato Night On Earth e lo reincontriamo in un altro film ad episodi brevi: Coffee & Cigarettes (2003), nel brano in cui si risente delle critiche alla propria tecnica di batteria espresse da Iggy Pop in un dialogo ai limiti del surreale. Sembra, tra l'altro, che Jarmusch stia attualmente lavorando ad un documentario proprio su Iggy Pop.

Nella stessa pellicola troviamo anche i White Stripes che filosofeggiano sulla teoria di Nikola Tesla secondo la quale il nostro pianeta funzionerebbe da risonatore, al pari di una gigantesca campana; si cita il regista e maestro dei videoclip musicali Spike Jonze e assistiamo a Bill Murray che viene avvelenato da uno scherzo dei Wu-Tang Clan.

Già RZA, una delle menti più prolifiche del collettivo Hip Hop di New York (i Wu-Tang, appunto), aveva curato la colonna sonora e interpretato un cameo per il capolavoro Ghost Dog, Il Codice Del Samurai (1999). Esilarante e paradossale, poi, la scena in cui un gangster italo-americano canticchia un brano dei Public Enemy prima di essere ucciso dal samurai Forest Whitaker.

Per tornare ai White Stripes e al loro Rock ruvido e minimale; il loro singolo Blue Orchid è stato remixato nel 2006 tanto da Jim Jarmusch che da Michel Gondry (altro cineasta fortemente invischiato nella affare 'musica') e nello stesso anno Jarmusch dirige il videoclip del singolo Steady As She Goes della band The Racounteurs, in cui milita Jack White

The Greenhornes, un'altra band molto vicina ai White Stripes, compare nella colonna sonora di Broken Flowers (2005) assieme ad alcuni grandi classici del compositore jazz etiope Mulatu Astatké, per il quale Jarmusch sembra nutrire una sincera ammirazione dal momento in cui è rimasto affascinato dall'ascolto del 4° volume della storica collana Ethiopiques. Il film servirà, altresì, ad Astatké come cassa di risonanza per far conoscere a sempre più persone il proprio importante passato e per porre l'attenzione in merito ai suoi lavori contemporanei: si diffonde nel globo la febbre dell'Ethio-Jazz.

Poco fa ho accennato della possibilità che Jarmusch giri un documentario sulla vita e/o musica di Iggy Pop. Il cineasta non è nuovo a questo genere di produzioni; già in passato, infatti, aveva testimoniato dell'attività live di Neil Young & The Crazy Horse in Year Of The Horse (1997), quasi a rendere il favore al leader della band Country-Rock che aveva composto la colonna sonora per il capolavoro western psichedelico Dead Man (1995), nel quale proprio Iggy Pop ricopre un piccolo ruolo.

Insomma, Jarmusch dimostra di vivere la propria attitudine "indie" a tutto tondo, puntando lo sguardo e dirigendo l'ascolto là dove lasciamo che il tempo scorra in uno spazio a cui spesso non si da peso, una sequenza di istantanee fatta di sguardi ironici e sottili intuizioni, possibilità "altre", culla di scelte serafiche e Blues eccentrici.

Per chi avesse voglia di approfondire, cito le fonti:

il ricco articolo di Donatella Valeri su Offscreen

il sito www.jim-jarmusch.net

The Disposable Heroes Of HipHoprisy - "Hypocrisy Is The Greatest Luxury"

2010-12-28T23:39:00.010+01:00

The Disposable Heroes Of Hiphoprisy nascono dalle ceneri di The Beatnigs, sorta di band/collettivo situazionista di San Francisco dall'approccio tanto Punk quanto Industriale e Hip Hop. Per dare un idea dell' humus culturale da cui provenivano, basti sapere che il loro album omonimo (1988) fù prodotto dalla Alternative Tentacles di Jello Biafra (Dead Kennedys).
Nel 1992 The Disposable danno alla luce il loro unico, monumentale album "Hypocrisy Is The Greatest Luxury" (4th & B'Way).
L'approccio politico e musicale di Micheal Franti (voce) e Rono Tse (producer) è meno intransigente rispetto all'esperienza con The Beatnigs, ma i due sono cresciuti enormemente: i testi rimangono taglienti, lucidi, poetici e senza compromessi nel criticare il sistema politico, sociale e culturale americano (e non solo), mentre la musica è figlia proprio dell'incontro/scontro di quelle mille culture che abitano gli USA.
La loro personalissima impronta Hip Hop, venata continuamente dal gusto "rumorista" di Tse nella scelta dei campioni e dall'approccio Soul di Franti, condensa assieme a sè anche Jazz (Music & Politics), Dub (Socio-Genetic Experiment), Rock-Ballad (Water Pistol Man) e Punk (California Uber Alles, con tanto di campionamento dei Dead Kennedys).
Più in particolare, Franti sembra essere profondamente ispirato da un mostro sacro della cultura musicale afro-americana: Gil Scott Heron.
I temi trattati nei testi sono molti (siamo nei primi 90'): la politica economica internazionale, il potere persuasivo ed annichilente dei media, il degrado sociale sotto diverse forme, la violenza strutturata e sistematica, la xenofobia e l'omofobia, il razzismo vissuto in prima persona, la Guerra del Golfo.
The Disposable dimostrano una grande maturità nel saper sintetizzare con fluidità le loro più disparate influenze musicali e politiche : Public Enemy, Fugazi, Vernon Reid, Linton Kwesi Johnson, il già citato Gil Scott Heron, Malcom X, Angela Davis, Noam Chomsky.
"Luxury..." rimane, secondo chi scrive, un capolavoro che ha saputo impreziosirsi col passare del tempo. Ascoltarlo nuovamente oggi non solo ci restituisce una parte degli anni 90' (sia dal punto di vista musicale che sociale e politico) ma sembra possa fare da colonna sonora anche ai tempi che stiamo attualmente vivendo; un drammatico fil rouge che ci richiama e ci inchioda alle nostre responsabilità.

Tracklist:
01 Satanic Reverses
02 Famous And Dandy
03 Television, The Drug Of The Nation
04 The Language Of Violence
05 The Winter Of The Long Hot Summer
06 Hypocrisy Is The Greatest Luxury
07 Everyday Life Has Become A Health Risk
08 Ins Greencard A-19 191 500
09 Socio-Genetic Experiment
10 Music And Politics
11 Financial Leprosy
12 California Uber Alles
13 Water Pistol Man

"dehumanizing the victim makes things simplier
it's like breathing with a respirator
it easies the conscience of even the most conscious
and calculating violator.
words can reduce a person to an object
something more easy to hate
an inanimate entity
completely disposable
no problem to obliterate"
Language Of Violence

"sometimes I feel like a socio-genetic experiment,
a Petri-dish community's token of infection.
and I'm proud"
Socio-Genetic Experiment

"if ever I would stop thinking about music and politics
I would tell you that the personal revolution
is far more difficult
and is the first step in any revolution"
Music And Politics

Livorno Elettronica

2010-04-27T12:13:00.004+02:00

L' IDM di Autobam e Naif Motenai
realizzato per Senza Soste

Benchè, a mio avviso, non si possa parlare di una vera e propria "scena" elettronica a Livorno, sono molti gli artisti che che da anni si muovono nell' underground proponendo la propria musica ognuno con le proprie esperienze ed intenzioni.
In questo articolo tratterò di due nomi in particolare:
Autobam e Naif Motenai

Partiamo con Autobam, al secolo Simone Lalli, già attivo come chitarrista negli anni '90 con Flora e Fauna, esperienza Post-Punk dall'approccio radicale i cui riferimenti erano indubbiamente tanto i Fugazi quanto gli Shellac.
E' del 2001 la prima testimonianza discografica con il mini autoprodotto "Untitled", 4 tracce minimali e ruvide in cui si intravede il sentiero di ricerca in cui Autobam si stà spingendo.
Bisogna attendere il 2006, però, per poter ascoltare del nuovo materiale: escono infatti "Atmo"( edito dall' etichetta inglese Unlabel) e "Quasi Satellite" (per la svizzera Leerraum), mentre è del 2007 "Panorama EP" (Beatpick).
Ci troviamo di fronte a dei lavori che dimostrano una maturità e uno stile che nulla hanno da invidiare alle produzioni provenienti dalla Gran Bretagna, dalla Germania e dal Canada (a mio avviso, i punti caldi dell' IDM).
Brani come "Telemetry", "Navi System", "Trajectory" e "Terminal City" (in assoluto il mio brano preferito) restituiscono il senso di equilibrio tra la ricerca che le possibilità digitali offrono e il gusto della composizione. Musica cinematica che prende forma nel flusso del tempo in cui la poliritmia di effetti di delay e sintesi granulare combinati con i patterns ritmici creano un tessuto timbrico e armonico dalle cui maglie affiorano frammenti di melodie; il tutto sembra richiamare dall'immaginario paesaggi che sembrano aver subito un riversamento in 16mm. Si, perchè va detto che a dispetto del luogo comune che vuole la musica elettronica fredda e impersonale, questi brani stanno a testimoniare dell'organicità umana che sottende la relazione 'produzione-fruizione'; per dirla con le parole dello stesso Lalli, musica "prodotta artificialmente con un dolore reale".
Ma per Autobam la produzione discografica è solo una delle possibilità in un periodo intenso che lo vedrà lavorare attivamente per installazioni e performance video in cui la sua musica è parte integrante dei concetti visuali espressi da Tibor Fabyan prima e Quayola dopo.
Più che di un percorso parallelo, Autobam intraprende una strada che pare intenta ad abbracciare i vari campi della produzione sonora, fino a giungere al Sound Design.
Cominciano anche i riconoscimenti (la video-installazione "IDNLNYC" vince nel 2006 l' Ellettrowave Challenge) e arrivano i lavori su commissione (video per MTV e Nike Europe).
Ma è del 2009 il riconoscimento, finora, più importante: "Strata 2", video-installazione nata dalla collborazione con Qayola e Mira Calix, vince il premio come migliore musica originale al "Festival du Court" che si tiene a Lille, in Francia.
Al momento sembra che Lalli sia impegnato nella produzione di nuovo materiale di cui in rete è disponibile un promo.
Per chi volesse saperne di più: www.autobam.net

Naif Motenai è uno dei progetti solisti di Antonio Maffei.
Già bassista di "I Haven't Seen A Yeti,Yet" negli anni '90, Maffei è un compositore e polistrumentista dal vastissimo backround musicale: dalla musica Classica passando dalla matematica dei Gastr Del Sol fino a giungere ai radicalismi elettronici degli "Autechre".
La prima testimonianza del percorso di Naif Motenai è del 2006 con il remix di "Shock The Monkey" di Peter Gabriel.
Sono invece del 2008 gli ottimi "day 1" e "day 2 of naif motenai" usciti per la Beta Testing Sounds, microetichetta dello stesso Maffei che raccoglie anche i lavori dei progetti 01:00 a.m. (Elettroacustica) e Skrjabin hc2 (Post-Punk).
Registrati dal vivo, il primo a Nugola e il secondo durante la manifestazione livornese Suoni Sommersi1.0 con l'ausilio di Marco Liuni (dell'associazione Mu.e.s.Li.), le due releases differiscono tra di loro solamente per alcune sfumature nei suoni e nel bilanciamento. "day 2 of...", in particolare, è stato eseguito in sinergia con l'installazione video realizzata da GLP.
All'ascolto si ha l'impressione che Naif Motenai sembra aver fatto tesoro delle lezioni della scuola, non solo inglese, riconducibile alle produzioni Warp (primi fra tutti i brani "cities at dawn" e"night clouds") ma personalmente vengono in mente anche i Chemical Brothers nelle loro fasi IDM ("milk drops").
Riferimenti a parte, i brani colpiscono per la loro capacità di suggestionare chi ha voglia di lasciarsi trasportare in un viaggio per paesaggi visti dal finestrino di un treno in corsa in cui si può essere rapiti dalla malinconia del presente, dal far propri i vissuti dei luoghi appena intravisti e che rimangono come istantanee nei ricordi di un' immaginazione che gioca con le mille probabilità che la vita può offrire: cosa accadrebbe se scendessimo improvvisamente ad una di quelle anonime stazioni?
Anche quì, come per Autobam, il beat perde un pò della sua capacità di far ballare divenendo una sorta di mezzo di trasporto per le emozioni che scaturiscono dal rapporto tra i soundscapes e il nostro vissuto (e vivibile).
Per saperne di più su Naif Motenai andate su www.betatestingsounds.com

Come postilla, consiglio l'ascolto anche di:

llll0, progetto del batterista Dario Arnone (Bimbo, Guerrilla Farming), in cui i suoni, anche quelli derivati da oggetti di uso comune, vengono trasformati e riorganizzati in flussi di eventi e patterns ritmici.
www.myspace.com/llll0

Di Maggio Baseball Team, ovvero Simone di Maggio (Almayer, Appaloosa), che propone una musica in bilico tra IDM e canzone d'autore e sembra rendere omaggio tanto all'elettronica tedesca quanto ai songwriters americani.
www.myspace.com/dimaggiobaseballteam

Ed infine, da tenere sott'occhio l'attività dell' associazione Mu.e.s.Li. che si propone l' intento di promuovere e diffondere la musica elettronica e sperimentale anche oltre i confini labronici.
www.associazionemuesli.it

Buon ascolto.

Gianluca Petrella Cosmic Band - Coming Tomorrow Part One (Spacebone Records 2009)

2010-03-26T10:56:00.005+01:00

Recensione per Senza Soste - marzo 2010

Gianluca Petrella è un astro in continua ascesa nel panorama del del Jazz internazionale.

Dopo aver suonato con musicisti del calibro di Carla Bley, Steve Coleman e Greg Osby ed aver militato in formazione assieme ad Enrico Rava, il trombonista barese sembra giunto ad un nuovo capitolo della sua carriera con la Cosmic Band, giovane e dinamico ensemble dalla cui miscela di influenze e backgrounds è nato "Coming Tomorrow Part One".

In molti si stanno accorgendo della qualità dei progetti che vedono coinvolto Petrella: il sold-out all' Auditorium di Roma durante la presentazione del disco nel Gennaio scorso, infatti, sembra una dimostrazione più che sufficiente.

Petrella non si fa scrupoli a mettere a frutto passioni come Rock e Psichedelia che nella storia del Jazz vede in Miles Davis e Sun Ra, tra gli altri, i precursori di commistioni che per i puristi del Jazz di allora (anni 60 e 70) risultavano poco digeribili. Ed è proprio Sun Ra il riferimento principale a cui Petrella si è ispirato e a cui rende omaggio rivisitando quattro dei suoi classici.

Essendo non molto noto al grande pubblico, apro una breve parentesi proprio sul poliedrico compositore afro-americano per descriverne velocemente l'importanza. Erroneamente la sua musica, che copre i decenni che vanno dagli anni 50 ai 90, viene definita da molti come essensialmente Free-Jazz, mentre non solo scriveva partiture complesse ma imponeva che i suoi musicisti si esibissero mascherati eseguendo anche delle coreografie. Asseriva di provenire dal pianeta Saturno e che tutto il popolo africano, in verità, apparteneva ad un altro mondo. Si potrebbe sorriderne, se non fosse che questa teatralità esprimeva il suo modo di rappresentare la drammatica diaspora della gente africana e la sua necessità di affrancarsi dal dominio culturale americano ed europeo: il ritorno al proprio "pianeta" è il ritorno a "Madre Africa" dal quale gli Afro-Americani furono strappati. Nella sua musica, però, la tradizione musicale africana convive con lo spirito pioneristico: è stato lui, infatti, ad aver introdotto e suonato per primo i sintetizzatori nella musica Jazz. Il lascito, in termini di contributi discografici è notevole. Voglio però consigliare l'ascolto di due dischi molto diversi tra loro: "Lanquidity" e "Space Is The Place".

Tornando a "Coming Tomorrow", l' album apre davvero bene proprio con la potente rivisitazione di "Space Is The Place" che sembra aver subito un trattamento in stile Deep Purple, tant' è l'urgenza Rock che prorompe e coinvolge da subito; magistrale!

Passando dalla "giungla" introspettiva di "Flexible" arriviamo a "Saturn", anche questo originariamente di Sun Ra: il brano parte con un intercedere pigro per poi approdare, swingando, al tema e, successivamente ad un'improvvisazione in bilico tra Free Jazz e Psichedelia per poi chiudere ancora con il tema swingato.

Veniamo a quello che, a mio parere è uno dei brani più interessanti del disco: "A Little Beat Waltz", firmato Petrella, è un lento valzer scuro, denso ed evocativo.

Subito dopo troviamo gli ultimi due tributi a Sun Ra: "Bassism", eseguito in chiave Bossa, e "We Travel The Spaceways". Quest' ultimo brano è un altro dei miei preferiti, in cui Jazz, Rock e Psichedelia trovano un ottimo equilibrio nell'arrangiamento di Petrella.

Veniamo ora a "Orbital Perc.", a firma Padovani-Petrella, dove le percussioni del primo vengono, per così dire, "trattate" dall'effettistica elettronica del secondo. Subito dopo, in maniera quasi naturale, prorompe ""Three Undisciplined Satellities" di Bigoni-Scettri-Baldacci, brano davvero molto interessante, vuoi per la forza centrifuga dell'esecuzione che per le scelte effettuate sulla batteria in termini di suono e di editing.

"Second Star To The Right", di Sammy Cahn e Sammy Fain, è invece rilassato ma molto descrittivo: mettete una sera ad un Jazz Club dove avete bevuto un pochino di più e quel lento swing che vi cullava rischia di farvi perdere l'equilibrio mentre state per raggiungere per l'ennesima volta le prossimità del bagno e vi chiedete: sono io ad essere ubriaco o è la band che ha voglia di scherzare?

E così, mentre tutto sembra stia lentamente per implodere, arriva un altro gioiellino a chiudere l'album: "Coming Tomorrow", in cui Petrella mostra le sue grandi doti sia come solista che come compositore. Torna alla mente l' Herbie Hancock degli anni 70; accostamento azzardato?

In definitiva "Coming Tomorrow, Part One" risulta essere un disco denso, articolato e davvero godibile, dove Petrella sembra aver trovato un equilibrio tra la propria idea compositiva e la creatività messa in gioco dai musicisti coinvolti.

A molti interesserà sapere che nella formazione della Cosmic Band figurano tre Livornesi D.O.C. che , tra l'altro, fanno parte anche dell'ensemble Dinamitri Jazz Folkloredi Dimitri Grechi Espinoza, altro Livornese e jazzista di notevole importanza.

Stiamo parlando di Gabrio Baldacci alla chitarra (attivo in diverse formazioni sperimentali tar cui Mr.Rencore, nonchè con il Blues Quartet di Espinoza), Beppe Scardino al sax baritono (leader della band Orange Room e animatore dell'associazione Axè che si occupa di promuovere la musica Jazz; recentemente ha dato un notevole contributo al nuovo disco dei Virginiana Miller, Il primo lunedì del mondo) e Simone Padovani alle percussioni (batterista con Bobo Rondelli e già con Ottavo Padiglione e Carneigra).

Arts The Beatdoctor - "Progressions"

2010-02-22T23:49:00.009+01:00

Viene da chiedersi come mai Arts The Beatdoctor non venga acclamato e richiesto da più parti. Con "Progressions", l' EP che segue di un anno l'ottimo album "Transitions", il producer olandese dimostra una capacità e una maturità tali da fare invidia a buona parte dei produttori Hip-Hop e Downtempo in circolazione.
Il riferimento principale sembra essere il Dj Shadow d'annata, ma il Soul che permea questa produzione può far venire in mente anche Madlib e J Dilla, mentre abbondano i richiami al Jazz.

Si comincia on la title-track: la cinematica "Progressions" è un ottimo esempio di Hip-Hop astratto con venature Break-Beat che sembra provenire dalla migliore tradizione della scuola Mo' Wax.

Il secondo brano è "Be Alright" che si avvale dell'ottimo flow di Skiggy Rapz e Wudstik; positive-vibes intrise di Soul su di un tessuto che accenna al Break-Beat con sfumature Jazzy.

In "Meditate" ATB dimostra il proprio backround di ascolti Jazz; strutturati come vera e propria composizione Slow-Funk, i campioni vengono utilizzati in maniera tutt' altro che "esotica" come invece spesso avviene quando ci imbattiamo in produzioni Hip-Hop che millantano influenze jazzistiche. Le linee melodiche e la scelta di affidarle ai samples di fiati, ne fa una delle traccie che più rievocano il Dj Shadow di "Endtroducing".

Stesso discorso per il remix di "Sleep" di Pax & Pry, dove il caldo flow del brano originale sembra trovare una collocazione perfetta con l'ambiente intimo e notturno disegnato da ATB.

Chiude l'EP la strumentale della stessa "Sleep" che suona molto bene sia come coda naturale della versione precedente che come brano a sè stante: diventa ancora più evidente, nell'ultimo caso, l'ottimo lavoro dell'olandese.

Per chi volesse saperne di più su Arts The Beatdoctor.

Tracklist:
01 Progressions
02 Be Alright (ft Skiggy Rapz & Wudstik)
03 Meditate
04 Pax & Pry - Sleep (Arts The Beatdoctor Remix)
05 Pax & Pry - Sleep (Arts Remix Instrumental)

Beats Broke 2008

Michael Blake - "Blake Tartare"

2010-02-19T11:49:00.006+01:00

Blake Tartare, oltre ad essere il nome del disco, rappresenta il progetto di contaminazione che lega il sassofonista canadese a tre jazzisti danesi. Così come successe per Michael Blake, anche Soren Kjaergaard, Jonas Westergaard e Kresten Osgood hanno goduto della possibilità di trasferirsi a New York per studiare musica, e si sente.
Ed è proprio nella grande mela che Blake venne notato nel 1990 da John Lourie che lo invitò ad entrare a far parte dei Lounge Lizards.

Ma veniamo al disco.
Quando ascoltai per la prima volta il CD, rimasi subito affascinato dalla forza espressiva del secondo brano: "Lemmy Caution": struggente ballata Jazz-Rock carica di un'atmosfera densa, evocativa e profondamente lirica nella quale è un piacere perdersi e dalla quale è quasi impossibile rimanere immuni. Ascoltare per credere.

Un altro pezzo forte che assieme al precedente vale l'acquisto del CD è "Feast", dal carattere Rock-Funk di cui probabilmente le influenze si possono rintracciare nei Lounge Lizards ma anche in Herbie Hancock. La parte centrale è affidata alla chitarra di Teddy Kumpel; un coinvolgente assolo slide (con la Dobro?) che chiude con accenni Dub mentre Blake si cimenta alla kalimba.

Altro brano davvero interessante, a mio avviso, è "Messy Bussiness" divisa tra una prima parte Ballad e una seconda Jazz-Funk che ricorda Steve Coleman, con il quale Blake ha avuto a che fare agli inizi della sua carriera.

Ma il background messo in campo è ancora più cospicuo:
accade di tutto, infatti, in "Meditation (for a pair of wirecutters)": dal Valzer sghembo, alla Swing-Ballad, dal Be-Bop, alle derive Free; mentre in "Cuban Sandwich" il quartetto è alle prese con i caldi venti caraibici.

Da notare l'omaggio a Sun Ra con "LanGuidity", in cui il tema di "LanQuidity" viene ripreso e spogliato della vena psychedelica originale. Ne risulta una Ballad dal respiro fortemente NewYorkese in cui le reminescenze dell'esperienza con John Lourie appaiono evidenti.

In definitiva ci troviamo davanti ad un disco di Jazz fortemente contaminato molto ben riuscito, vuoi per il dinamismo e la freschezza dei musicisti coinvolti, con il loro carico di background generazionale, vuoi per le scelte operate in fase di missaggio per quello che riguarda il sound ma anche il bilanciamento tra gli strumenti.
Se volete saperne di più su Michael Blake andate quì.

Line-Up
Michael Blake: sax tenore e soprano, clarinetto basso, kalimba
Soren Kjaergaard: pianofort, wurlitzer, effetti
Jonas Westergaard: basso acustico
Kresten Osgood: batteria
Teddy Kumpel: chitarra e missaggio

Tracklist:
01 Flipper
02 Lemmy Caution
03 A Messy Business
04 Cuban Sandwich
05 Feast
06 Languidity
07 Meditation (For a Pair of Wirecutters)
08 A Hole Is to Dig
09 Neil's Toy Train

Stunt 2005

Steve Kuhn Trio with Joe Lovano - "Mostly Coltrane"

2010-01-29T15:14:00.012+01:00

Elegante.E' questo il termine più appropriato per descrivere questo disco.
Kuhn mette in campo tutta la sua cifra stilistica nel rendere omaggio ad uno dei più grandi mostri sacri della musica del '900. Cimentarsi con l'opera di John Coltrane, infatti, è impresa ardua.
Il pianista ne ha quasi circoscritto interamente la produzione alle registrazioni effettuate con il quartetto storico.
Proprio di quel quartetto lo stesso Kuhn aveva fatto parte agli inizi; qualche esibizione al New York Jazz Gallery nel 1960 prima che subentrasse McCoy Tyner.
La cosa tra i due non ha fuzionato, e tra le varie motivazoni (che troverete in rete) forse c'è anche perchè lo stile di Kuhn ricordava troppo quello di Bill Evans, mentre Trane, che usciva dal quintetto di Miles Davis, cercava qualcosa di radicalmente diverso.
Un background quello di Kuhn simile a quello di Evans e che comprende, infatti, anche la formazione classica; se ne possono udire alcuni elementi come l'influenza di quel fil-rouge tutto francese che dall'impressionismo di Debussy, passando per il pre-minimalismo di Satie, porta alla complessa ricerca di Messiaen.
Il disco, altresì, non prosegue certo nella direzione di ricerca spirituale di un "suono assoluto e universale" che Coltrane aveva tracciato; è più "semplicemente" un lavoro incentrato essenzialmente sull'arrangiamento pianistico. In questa direzione la scelta di affidare le parti di sassofono a Joe Lovano, sassofonista che altrimenti definirei quasi "conservatore", risulta funzionale.
La classe e la precisione con cui Lovano reinterpreta temi e fraseggi di Coltrane, mantenendone molto bene i tratti estetici peculiari (e a volte addolcendoli), sembrano aderire con straordinaria coerenza con il lavoro pianistico di Kuhn, al quale vengono lasciati spazio e possibilità espressive in un equilibio tra le parti in grado di evocare un ambiente intimo in perfetta sintonia con lo scorrere del tempo di ascolto.

Questa sensazione si avverte sin dall'inizio, dalla struggente e semplice bellezza dell' intro di pianoforte che apre "Welcome", cui segue il tema portato dal sax con un mood che onora il titolo del brano.

Ancora di più, questo equlibrio lo ritroviamo al meglio nella seguente "Song of Praise" dove ad un un altro raffinato intro segue la prima parte del brano con il tema del sassofono che sembra scivolare sui fraseggi di Kuhn assieme ad un drumming veloce e astratto di Joey Baron eseguito essenzialmente su charlie e ride. La seconda parte del brano inizia con il solo di piano su di un ritmo swingato dove l'affiatamento tra Kuhn e Baron è davvero trascinante. Si giunge al solo di Lovano che risulta però troppo debole rispetto alle aspettative che il brano sta creando. Un crescendo comunque viene a compiersi, grazie al contrabbasso di Fink che diviene sempre più incisivo. Arriviamo, quindi, alla riproposizione del tema e, infine, alla coda.

Saltando qualche traccia arriviamo a quella che, mio avviso resta una delle prove più importanti rispetto all'arrangiamento: "Living Space", uno degli ultimi pezzi registrati dal quartetto storico (1965). La particolarità del brano originale è la sovraincisione di un secondo sassofono da parte di Coltrane, unica volta nella sua storia discografica. Anche quì l'apertura è di Kuhn, che diviene contrappunto all'esposizione del tema di sax con batteria e basso mantenuti su di un piano di astrattezza che richiama il Free. Quest' alchimia compone il brano fino alla fine con continui scambi e variazioni dinamiche nel rapporto tra basso e batteria e cenni di solo che divengono sottolineature e viceversa tra piano e sax.

Uniche escursioni al di fuori del "working quartet" di Trane sono: "Configuration" e "Jimmy's Mode", entrambe estrapolate nell'esatta sequenza da "Stellar Regions", bellissimo album postumo di Coltrane di registrazioni del 1967.
"Configuration", unico episodio Free tra quelli scelti da Kuhn, originariamente si componeva di un lungo assolo di batteria di Rashied Alì con Coltrane che apriva e chiudeva il brano. In questa reinterpretazione Baron è affiancato dal pianista nel vortice solistico che si viene, quindi, a creare.
Ma è "Jimmy's Mode" a rappresentare un altro dei momenti più belli, a mio avviso, dell'intero album. Quello che era nato come uno spazio per Jimmy Garrison aperto e chiuso da Trane con un bel tema modale, ora vede Lovano prolungare e giocare con il tema che precede un ridotto spazio per il contrabbasso di David Fink a cui segue il solo pianistico dove, personalmente, avverto anche influenze di Granados e De Falla (altro impressionista). Nel rientrare, Lovano, attraverso un solo che accenna continuamente al tema, ci conduce verso la chiusura.

Potete certo notare che non è mia intenzione scrivere di tutti i brani, ma solo di quelli che ritengo più rappresentativi o che mi hanno particolarmente colpito.

Dunque; "Soprattutto Coltrane", ma non solo.
Oltre a "I Want To Talk About You" di Billy Eckstine, che Coltrane eseguiva spesso, troviamo due brani di Kuhn:
"With Gratitude" , solo di pianoforte improvvisato in studio e "Trance", brano del 1974 tratto dall'album omonimo; quì viene eseguito in solo e il tema, un tango simile ad un vals argentino, risulta quindi svuotato del caratterizzante giro di basso ipnotico. Sulle ultime note di questo pezzo si chiude un album dall'intensa atmosfera intima, che si lascia scoprire sempre di più ascolto dopo ascolto con un eleganza davvero rara.

Line-Up:
Steve Kuhn: piano
David Finck: contrabbasso
Joey Baron: batteria
Joe Lovano: sax

Tracklist:
01 Welcome
02 Song of Praise
03 Crescent
04 I Want to Talk About You
05 The Night Has a Thousand Eyes
06 Living Space
07 Central Park West
08 Like Sonny
09 With Gratitude
10 Configuration
11 Jimmy's Mode
12 Spiritual
13 Trance

ECM 2009

John Coltrane – Kulu Sé Mama (1967, reissue 2000 – Impulse!)

2010-01-20T19:34:00.026+01:00

Il presente articolo, pubblicato inizialmente nel presente blog nel gennaio 2010, è stato poi riveduto e ampliato per Distorsioni nell'ottobre 2011. Questa è la sua versione definitiva.

Il 1965 è stato per Coltrane un altro anno cruciale. La sua arte in continua evoluzione è stata sempre in grado di percorrere strade differenti e tortuose, ma proprio da quest'anno in poi la sua discografia diviene più ostica per l'audience che poco ha digerito i lavori di altri pionieri come Ornette Coleman e Eric Dolphy. Ed è proprio da quest'anno che lo storico quartetto cessa l'attività. Coltrane infatti si apre a nuovi sodalizi artistici che possano portare nuova linfa al percorso intrapreso.

"Kulu Sé Mama" riascoltato oggi suona come un grande gioiello e ci restituisce un documneto importante della ricerca musicale e spirituale di Trane. L'album esce postumo (in vinile) nel 1967 e raccoglie delle registrazioni effettuate nel 1965 in due momenti differenti.

Il Brano Kulu Sé Mama (o Juno Sé Mama), che viene registrato nell' ottobre, rappresenta un momento unico per Coltrane: la sua incessante ricerca di un suono assoluto che lo porti ad una comunione divina lo riconduce necessariamene nel grembo materno, nel mistero della creazione: in Africa.
La presenza del cantante e percussionista Juno Lewis è decisiva: è lui a cantare in afro-creolo il poema rituale dedicato, non a caso, alla madre e a portare nel brano le suggestioni ricavate dall' utilizzo delle percussioni ad acqua.
Pur dedicando molti anni alla ricerca e allo studio delle musiche africane (vedi "Africa" e "Afro Blue", tra gli altri), Coltrane, abbracciando il free, abbandona molti dei formalismi utilizzati in precedenza. Il risultato sembra essere una predominanza della natura primordiale all'origine dell'arte umana che, emulativa, muove i primi passi proprio imitando i suoni circostanti.
Oltre a Lewis, a fare la differenza in questo senso è anche Pharoah Sanders ed il suo stile per così dire "selvaggio", che contribuisce in maniera sostanziale alla descrizione della giungla nella quale ci siamo inoltrati. Sembra essere lo stesso Coltrane ad esplorare questa giungla evocata dal brano per cercare quella comunione suprema e contemporaneamente per ritrovare il suo "io" africano ancestrale. Non sembri esagerato, in questo senso, il paragone con il capolavoro "Expression" del 1967. Rimane d'obbligo segnalare lo splendido fraseggio pianistico di McCoy Tyner, ulteriore ed essenziale tratto distintivo di Kulu Sé Mama.
Facciamo ora un passo indietro, fino al giugno dello stesso anno; la bellissima Welcome, dal carattere modale, è uno degli ultimi lavori dello storico quartetto e prosegue sulla strada tracciata da "Crescent", "A Love Supreme" e "Song of Praise", mentre Vigil, interplay serrato tra sax e batteria, è un' anticipazione di "Interstellar Space", album registrato nel 1966 assieme a Rashied Alì ma pubblicato nel 1967.
Oltre alla versione in CD con la stessa tracklist del vinile, la Impulse! ( che nel frattempo è stata assorbita dalla Universal) ha pubblicato nel 2000 una versione con tre tracce in più: si tratta di Selflessness e due takes diverse di Dusk Dawn.
Selflessness, proveniente dalle stesse sessioni che hanno dato vita a "Kulu Se Mama", si può collocare tra questa ed "Ascension" (giungno dello stesso anno). Personalmente la reputo una delle migliori prove free di Coltrane del 1965, assieme proprio a "Kulu Se Mama" e "Meditations". Il brano in questione era precedentemente uscito in vinile ("Selflessness", appunto) assieme ad una formidabile My Favourite Things e I Want To Talk About You, entrambe registrate dal vivo a Newport nel 1963 dal quartetto (con Roy Haynes al posto di Elvin Jones).
Dusk Dawn è ancora opera del quartetto. Pur essendo davvero un ottimo brano, per poterne godere realmente andrebbe ascoltato separatamente dal resto del disco col quale si ha la sensazione di stridente contrasto, vuoi per l'atmosfera urbana dalla quale è permeato, vuoi per l'impressione che si ha di essere davanti al Coltrane del biennio 1961-1963, se non fosse per la lunga parte di solo contrabbasso di Jimmy Garrison situata oltre la metà del brano.Non è né la prima né l'ultima volta che al contrabbassista viene lasciato tutto questo spazio. Garrison è anche il musicista con il quale Coltrane ha suonato per più tempo, essendo l'unico "sopravvissuto" del quartetto. Dusk Dawn è stato inserito anche in un altro disco postumo che raccoglie alcune tra le ultime registrazioni del quartetto avvenute sempre nel 1965, ovvero "Living Space".

A questo punto alcune domande su quale sia il criterio con il quale la Impulse! ha pubblicato il materiale di Coltrane viene da farsele. Perchè, oltre a mettere assieme registrazioni di anni diversi oppure dello stesso anno ma con differenti formazioni e differenti intenzioni, come se non bastasse, il brano Kulu Sé Mama appare anche su "The Major Works Of John Coltrane" (che non è un "meglio di..."come il titolo suggerisce) assieme a Selflessness (e tre!), Om e due versioni di Ascension.
Chiusa la parentesi polemica, rimane imprescindibile un dato di fatto: le opere di John Coltrane sono destinate a rimanere immortali e "supreme".

Aldo De Sanctis

Line-Up:
John Coltrane - sax tenore
Jimmy Garrison - contrabbasso
McCoy Tyner - piano
Elvin Jones - batteria
Pharoah Sanders - sax tenore e percussioni (solo su Kulu Sé Mama e Selflessness)
Donald Rafael Garrett - contrabbasso (solo su Kulu Sé Mama e Selflessness)
Frank Butler - batteria (solo su Kulu Sé Mama e Selflessness)
Juno Lewis - voce e percussioni (solo su Kulu Sé Mama e Selflessness)

Tracklist (edizione Impulse! 2000):
01 Kulu Sé Mama
02 Welcome
03 Vigil
04 Selflessness
05 Dusk Dawn
06 Dusk Dawn (alt. vers.)

Ahmed Abdul-Malik - "Jazz Sahara"

2010-01-16T21:42:00.009+01:00

Quando comprai questo CD in un piccolo negozio di dischi di Roma diversi anni fa, rimasi sorpreso; nel 1958 la Riverside aveva pubblicato quello che si può ritenere il primo connubio tra Jazz e musica medio-orientale, prima ancora di Yusef Lateef e Don Cherry (tra gli altri).

Ahmed Abdul-Malik, per chi non lo sapesse, è stato il contrabbassista di Thelonious Monk sul finire degli anni 50. Ha suonato, per citarne alcuni, con Art Blakey, Coleman Hawkins, Randy Weston e John Coltrane. Quì lo troviamo alle prese con l'oud, oltrechè con il contrabasso, e con il proprio retroterra culturale; il Sudan, paese di cui è originario, situato nel continente africano ma di profonde tradizioni arabe di provenienza Yemenita.
Il background medio-orientale è in primo piano sia per la scelta degli strumenti musicali che per l'utilizzo dei modi durante i vari solo e, chiaramente per l'utilizzo delle scale minori con le tipiche variazioni che si riscontrano nella musica araba, nonchè per i patterns ritmici. Le melodie dei temi colpiscono l'immaginario e ci proiettano nel clima delle feste che possono svolgersi sotto un tenda da cerimonia nel bel mezzo del deserto, dove si consuma l'ultimo thè della giornata, quello soave come la morte; una specie di saudade araba.
Da notare la presenza di un altro membro della band di Monk di quegli anni: il tenor-sassofonista Johnny Griffin che, assieme al batterista Al Harewood, rappresenta il ponte con l'occidente; i soli di sax e i groove di batteria, infatti, sono gli unici tratti estetici che possono ricondurre ad un Jazz più "convenzionale" per il periodo.

Line-Up:

Ahmed Abdul-Malik: oud, contabbasso
Johnny Griffin: sax tenore
Naim Karakand: violino
Jack Ghanam: kanoon
Mike Hamway - darabukka
Bilal Abdurrahman - daf
Al Harewood - batteria

Riverside 1958